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Canciones de cine

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Al ver una película nos encontramos canciones de cine que atesoramos en nuestra memoria como grandes temas vinculados a un film u otro. En ocasiones, estas melodías las compone un grupo musical con un acompañamiento instrumental y una letra específica para un largometraje enlazando así su existencia al relato cinéfilo en el que aparecen para recalcar escenas clave que las unen en el imaginario colectivo de los espectadores. De las innumerables sintonías de películas, cabe destacar tres sencillos nacidos en la década de los ochenta que no dejan a nadie indiferente. Se trata de «The eye of the tiger» de Survivor (The eye of the tiger, EMI, 1982), «Maniac» de Michael Sembello (Bossa Nova Hotel, EMI, 1983) y «Ghostbusters» de Ray Parker Jr. (Ghostbusters: Original Soundtrack Album, Arista Records, 1984) que pertenecen a los films Rocky III (Sylvester Stallone, United Artists, 1982),  Flashdance (Adrian Lyne, Paramount Pictures, 1983) y Ghostbusters (Ivan Reitman, Columbia Pictures, 1984), respectivamente. Acompañadme en este viaje musical de cine.

«The eye of the tiger»

Esta canción, compuesta a petición del propio Stallone para Rocky III, suena en el minuto 2:25 de la película con el propósito de enfatizar la victoria del potro italiano sobre Apollo Creed que sucedió en la entrega anterior de la saga. A su vez, la parte instrumental y la letra de este tema se superponen a los combates que Rocky va ganando como campeón ante la desafiante mirada de Cubba Lange, futuro rival del boxeador. Esta versión difiere de la incluida en el disco de Survivor de título homónimo a esta canción, ya que la melodía aún no había sido grabada en el estudio. Pese a ello, ambas sintonías son excepcionales. En cuanto al contenido de la pieza musical, en ella ruge el hambre por ganar de un hombre que pelea con la mirada del tigre. Este contenido, que encaja perfectamente en el film, invita al oyente a luchar por conseguir una meta tanto dentro como fuera del ámbito del boxeo siempre recordando cómo Rocky aceptó el desafío de Cubba Lange en el épico encuentro de estos dos púgiles en el ring.

«Maniac»

Esta pista de audio, surgida después de que el autor viera el largometraje de terror Maniac, no se creó específicamente para Flashdance. Sin embargo, debido a que la esposa de Michael Sembello se la envió a la productora de la película, Phil Ramone, productor de Flashdance, optó por cambiar unos versos para que esta canción se acoplara a la historia de una chica a la que apasiona bailar. Los cambios favorecieron que este tema de cine ochentero traspasara las fronteras del espacio y del tiempo en un largometraje aceptable. Respecto al contenido de la composición musical, esta retrata a una chica que trabaja en una fábrica siderúrgica y que sueña con bailar. Es decir, la historia de Alex. Al reflejar la lucha por un sueño, esta melodía anima a conseguir objetivos inalcanzables que nos apasionen. Lee el resto de esta entrada

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Sentimiento y razón en El delincuente honrado

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Para ilustrar la razón y el sentimiento en El delincuente honrado, es preciso contextualizar estos conceptos en el Siglo de las Luces. Después, profundizar sobre la estancia de Gaspar Melchor de Jovellanos en Sevilla y la influencia que Pablo de Olavide tuvo en él. A raíz de su experiencia en Sevilla, Jovellanos empezó a beber de las luces de la razón y concibió en una de las tertulias de Olavide la primera pieza de teatro sentimental español, El delincuente honrado. Antes de adentrarse en la obra, cabe incidir en los orígenes de la comedia sentimental y su llegada a España a través del país galo. Al comparar la obra de Jovellanos con El Precipitado de Cándido María Trigueros se observa la intención moralizadora hacia el público por parte de estos autores cuyos textos se asemejan y difieren en ciertos aspectos. El efecto aleccionador en esta época se consiguió mediante obras lacrimógenas en las que se verían reflejadas las problemáticas de la clase burguesa. Este propósito didáctico es la máxima para estos escritores, ya que creían que el teatro podría instruir a la gente.

Tradicionalmente, la crítica ha denominado al siglo XVIII como el siglo de la razón. No obstante, esta afirmación no es del todo cierta porque recientemente esta concepción ha cambiado. Ahora, el siglo XVIII se concibe como un siglo en el que imperó la dualidad entre razón y sentimiento. Los neoclásicos entienden el primer concepto de este binomio como fuente de conocimiento que rechaza al sentimiento a la vez que contemplaban que la luz de la razón guiaba a los hombres hacia la felicidad. Sin embargo, en el Siglo de las Luces también apareció otro término paralelo a la razón, el sentimiento. Así pues, “la reflexión puede hacer al hombre honesto, pero la sensibilidad le hace virtuoso. La sensibilidad es la madre de la humanidad” (GARCÍA GARROSA, 1990: 19). Es decir, el sentimiento se guía por las emociones y la exaltación de la sensibilidad.

Si bien la razón se rige por las reglas neoclásicas y por una estética donde se exalte la Belleza, por su parte, el sentimiento se rige por el Gusto y por una estética donde aparece el concepto de Sublime. Las reglas neoclásicas consisten en respetar las unidades de tiempo, lugar y acción así como contemplar una estética donde aparezca la Belleza. Se entiende por Belleza la capacidad de producir un estado de placer y serenidad hacia objetos ordenados y regulares (CARNERO, 1983: 31). Frente a esta idea encontramos en la vertiente sentimental la noción de Sublime. Lo sublime sería aquello que produce terror, sentimos deleite cuando ese terror aumenta y disminuye. Por ello, percibimos lo Sublime en una fuerte tormenta y, en cambio, discernimos lo Bello en un prado de flores contemplando las nubes. Las dualidades entre neoclásicos también se dieron en el uso riguroso o no de las reglas neoclásicas.

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The Leftovers: creer para darle sentido a la vida

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The Leftovers (Tom Perrotta y Damon Lindelof, HBO, 2014 – 2017), adaptación de la novela de título homónimo de Tom Perrotta, presenta las reacciones de la gente ante la repentina desaparición de 140 millones de personas el 14 de octubre de 2011 en todo el mundo. Las creencias religiosas, viejas y nuevas, se convierten en cobijo ante la inexplicable de esta tragedia global. Durante los veintiocho episodios que componen esta serie todos los personajes buscan creer en algo para darle sentido a la vida que sigue después de la llamada Ascensión de los seres queridos que se marcharon hacia alguna parte. Cada individuo que se va conociendo a lo largo de la trama toma un camino espiritual que le ayude a digerir lo sucedido. Por su parte, Kevin Garvey, que ejerce de jefe de policía, se centra en el trabajo sin decantarse por las innumerables agrupaciones religiosas que le rodean. Él atestigua distintas respuestas religiosas surgidas después de aquel incomprensible día. Ninguna de ellas le seduce. Tras un largo viaje, comprende qué creencia le da sentido a su existencia.

En la población ficticia de Mapleton, donde los Garvey residen en la primera temporada de esta ficción televisiva, se observan las trifulcas entre la secta Remanente Culpable y el cristianismo. Debido a su labor para con la sociedad, Kevin lidia con los problemas que causa este grupo de individuos que afrontan la nueva realidad fumando, vistiendo de blanco, en silencio y realizando perfomances que alternan al resto de la comunidad. Kevin, ante las trifulcas causadas por la secta, intenta calmar las aguas sin éxito. Las creencias de esta gente no las comparte incluso después de que el fantasma de Patricia Levin, líder de este culto en Mapleton, se le aparezca en visiones estando despierto para que el jefe de policía vea el mundo como ella. La relación entre ambos personajes solo provoca inestabilidad emocional en Garvey que teme enloquecer como su padre. Para los miembros de la agrupación blanca, seguir la fe de esta secta basada en deshacerse de todo lo relativo a su vida anterior, fumar, vestir de blanco y no hablar les apacigua la incertidumbre que nace tras la Ascensión. En cambio, Kevin es agnóstico ante este lavado de cerebros.

En el camino que le conduce hacia el descubrimiento de una creencia vital pasa por el municipio de Jarden. Este lugar es el único en el que nadie se desvaneció el 14 de octubre de 2011. Ante este milagro sus habitantes y los viajeros que se aproximan a la localidad texana poseen una fe ciega en que este punto del planeta sea un locus amoenus que les proteja del mal abrazando la religión sin ninguna duda en sus corazones. Un amigo de Kevin, Matt Jamison, encaja a la perfección con el ambiente espiritual de este pueblo, ya que él está convencido de que el cristianismo que profesa, como sacerdote y creyente, salvará a su esposa paralitica, lo cual acaba ocurriendo. Tanto en Mapleton como en Jarden, la devoción de este personaje extraña a Kevin sin que le incomode hasta que al final de la segunda temporada él muere y resucita sin entenderlo. Esta singularidad provoca que Matt vea en su amigo un nuevo Jesucristo, lo cual no comparte con Kevin quien ve en su resurrección un hecho inexplicable que no lo acerca a ningún credo. En apariencia, él acepta los hechos de la misma forma que la Ascensión. Sin abrazar ninguna fe y continuando su labor de policía como siempre ha hecho. En cambio, en sus momentos de soledad intenta suicidarse porque se niega a creer que por algún motivo místico no pueda morir como cualquier persona. La resurrección no puede definir su existencia. Esta idea le obsesiona llevándolo a Australia con su padre que cree que en el séptimo aniversario de la Ascensión se repetirá la tragedia si su hijo no lo evita muriendo y regresando con los vivos.

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Viaje a tierras manganime

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Una atractiva exposición de turismo manganime, titulada Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime, se puede visitar del diez de abril al nueve de mayo en la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra conjuntamente con otra llamada Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. La segunda de estas muestras recoge material único de varios mangas mientras que la primera, que ocupa más espacio en la biblioteca, recorre las localizaciones reales en las que se ha inspirado la geografía de obras como Rurouni Kenshin, Shin Chan, Ranma ½, Love Hina, películas de Studio Ghibli, etc. Fotografías, mapas, merchandising y maquetas a pequeña escala de construcciones arquitectónicas japonesas configuran el recorrido por el que se transita al contemplar esta exposición. Acompañadme en este viaje a las tierras en las que habita el manganime.

Tras las puertas de la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra se puede caminar por cualquiera de las dos muestras que esta alberga en el orden en que el visitante desee. La más cercana es, a su vez, la más efímera. Se trata de Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. En ella los ojos del otaku brillan de emoción debido a réplicas autentificadas por Bird Studio y Toei Animation de páginas de cómic japonés, cels y gengas así como merchandising de toda clase. En las paredes de la exposición destacan copias autentificadas de mangas como Rurouni Kenshin, Yu Yu Hakusho, Dr. Slump o Dragon Ball. Los fans de estos shōnens disfrutarán ante la batalla entre Shishio y Kenshin, el dragón de llamas negras de Hiei o varias instantáneas de las peleas de Goku. Por otro lado, en dos mesas cubiertas por cristales protectores hay esparcidas piezas de coleccionismo de las obras mencionadas anteriormente junto con material en donde aparecen personajes de Captain Tsubasa, Kinnikuman además de los personajes de los cómics japoneses anteriores.

Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime da la bienvenida al público con un torii detrás del cual nos introducimos en una sala donde haremos turismos a través del mundo manganime en tres localizaciones: Japón contemporáneo, Japón feudal y espacios europeos. Iniciando el trayecto en el país del sol naciente, la primera parada es Tama que es la ciudad en la que se desarrolla el film Susurros del corazón (Yoshifumi Kondō, Studio Ghibli, 1995). En la pared de la exposición cuelgan carteles informativos que describen los rincones reales por los que pasean los personajes de películas y series de animación japonesa. En el caso de la población de esta región de Kanto vemos imágenes comparativas entre los espacios por los que transitan Shizuku Tsukishima y Seiji Amasawa con los reales. Acompañando estas instantáneas se adjunta un mapa que reúne puntos del Tama ficticio, logrando así que el visitante recorra cada recoveco de la población que aparece en este largometraje de Studio Ghibli. El mismo método se repite en los sucesivos puntos del viaje turístico por mangas y animes emblemáticos. Lee el resto de esta entrada

Los dos finales de Once Upon a Time

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Once Upon a Time (Adam Horowitz y Edward Kitsis, 2011 – 2018) finalizó por segunda vez este mes de mayo dando por concluida la séptima temporada de esta serie televisiva a la que sus creadores han bautizado como requel (recuela). Este término surge de la unión de las palabras inglesas reboot y sequel, ya que la temporada final de esta ficción televisiva funciona a caballo entre ambos conceptos pero sin decantarse por ninguno de ellos. Debido a esta mixtura, nos hallamos ante una última entrega que retoma la magia de los inicios llevando el relato a otra parte con un personaje céntrico distinto a las seis temporadas anteriores. Estas seis entregas configuran el viaje épico de una heroína hacia la batalla final que la definirá como personaje. Las desventuras y alegrías que conforman la historia de Emma Swan sostienen el gran grueso de este relato serial que culmina con el episodio doble «The final battle» terminando así la sexta temporada y la despedida de gran parte del elenco de personajes protagonistas. El siguiente capítulo de Once Upon a Time se enfoca en Henry Mills, el hijo de la heroína, Rumpelstiltskin, Regina y el capitán Hook de Wish Realm. La continuación de sus historias acaba junto con la serie en «Leaving Storybrooke» en el que supone el segundo final de esta narración televisiva. La lucha entre el bien y el mal, la esperanza, el amor y las ganas de creer son los pilares que se mantienen durante el periplo heroico que se dirige hacia los dos desenlaces de esta historia.

Érase una vez un bebé que fue abandonado por sus padres en un mundo distinto al que nació. Este, desconocedor de sus orígenes, creció hasta convertirse en una mujer independiente a la que la vida le golpeó en varias ocasiones, haciendo que diera en adopción a su primogénito Henry Mills. Este se reencuentra con su madre biológica once años después, invitándola a Storybrooke, un pueblo habitado por personajes de cuentos de hadas que han olvidado quienes son debido a una maldición. Así empezó el primer contacto de Emma Swan con la magia, con su pasado y con un mundo que no conoció. Creer en lo imposible despertó a los personajes malditos del pueblo donde Swan se instaló a petición de su hijo. Tras esta primera victoria, la autodenominada The Savior se enfrenta a las amenazas que engloban a villanos como The Evil Queen, Peter Pan, The Wicked Witch, The Snow Queen, The Queens of Darkness, La oscuridad, Hades, The Dark Fairy y, por último, la batalla final. Todas las manifestaciones de maldad contra las que ella y su familia han ido luchando a lo largo de seis temporadas desembocan en un duelo final de espadas entre ella y Gideon, haciéndose realidad las premociones que Emma había tenido a lo largo de esa temporada. Al dejarse vencer, ella gana, rompiendo la maldición oscura que se había lanzado. Después de esta última pelea, Emma lo celebra rodeada de familiares y amigos que le han acompañado en su viaje heroico durante seis temporadas.

Dentro del primer final de Once Upon a Time se insertan escenas de un tiempo futuro protagonizadas por Henry Mills y su hija que están lidiando contra una nueva amenaza. Esta, a lo largo de la séptima temporada, se desvelará como una nueva maldición. Romperla y vencer a los villanos de turno supondrá el desarrollo del segundo final de la serie que se enfoca en desarrollar las tramas de Rumpelstiltskin, Henry Mills, Regina y el capitán Hook de Wish Realm. En los veintidós episodios que comprenden esta última entrega reaparecen valores propios de esta ficción televisiva como la familia, el poder de creer en lo imposible, el amor y la esperanza. Se introducen nuevos personajes que apoyarán a los héroes y heroínas a crecer a la vez que otorgan una nueva mirada a relatos fantásticos ya vistos anteriormente como Alice in Wonderland o Cinderella. «Leaving Storybrooke» da punto y final al enfrentamiento entre los héroes contra la versión de Rumpelstiltskin de Wish Realm donde su doppelgänger bueno sacrifica la vida para salvar la del capitán Hook de Wish Realm a la vez que derrota al villano. Regina, por su parte, convence a una versión de su hijo adoptivo de perdonarla, con lo cual contribuye a frenar los planes de The Dark One de Wish Realm. Esta mujer, cuyo crecimiento a lo largo de la serie ha ido del mal al bien, decide unir todos los reinos en uno solo alrededor de Storybrooke. De esta forma, nadie volverá a estar separado de sus seres queridos nunca más. Lee el resto de esta entrada

Diez canciones protesta en español

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Las canciones protesta están de urgente actualidad. Estas, desde que alguien decidió cantarle a la injusticia, han convivido en la sociedad sobreviviendo al peso de los años. Las letras que conforman estos temas dan voz a realidades que aún sacuden nuestra rutina diaria aunque algunos medios de comunicación las silencien para que el polvo del olvido apague estos cantos inconformistas de antes y de ahora. Del inmenso repertorio que existe en diversas lenguas del mundo para incidir en el camino hacia el abismo al que nos dirigimos debido al inmovilismo que promovemos ante problemas sociales, he optado por una breve selección de diez piezas musicales en español focalizadas en el estado de la política, la violencia de género, los desahucios, los estafadores o el incremento de la pobreza, entre otros temas. En mi opinión, captan la indignación que pulula por las calles en el tiempo presente. Seguramente haya más melodías que, tras escucharlas, inviten a la reflexión sobre un asunto determinado para que decidamos cambiar nuestra actitud hacia él o no. Acompañadme en este viaje musical.

«Cambalache»

Esta canción la compuso en 1934 Enrique Santos Discépolo. Este tema critica la presencia de cambalaches en cualquier estrato de la sociedad, época o profesión. A su vez, se remarca el ascenso social mediante la estafa, el engaño y la mentira como forma de vida de estos individuos con los que el sujeto poético se reencontrará en el infierno, haciendo referencia a que en la muerte todos somos iguales por muchas trampas que se realizan en vida. Por otro lado, se hace hincapié en que este tipo de gente irrespetuosa es característica del siglo XX. En cuanto al vocablo que da título a la pista de audio, Cambalache, esta procede del lunfardo, jerga bonaerense que fue censurada una década después de la creación de esta pieza musical. Desde su nacimiento esta melodía describe la forma de actuar de ciertos tipos que acumulan poder e influencias a través de métodos situados en los márgenes de la ley. La atemporalidad de su contenido, asimismo, lo reflejan los diversos artistas que han interpretado esta composición tanto en España como en Hispanoamérica. Entre ellos destacan Joan Manuel Serrat, Julio Sosa, Joaquín Sabina o Andrés Calamaro, entre otros.

«Qué dirá el santo padre»

Esta sintonía de Violeta Parra fue grabada en 1963 e incluida en el álbum Un río de sangre (Arion, 1974) como obra póstuma al suicidio de la cantante. Este tema cuenta, a través de imágenes opuestas, cómo la realidad se baña de sangre mientras que las sagradas escrituras preponderan paz. Este símbolo se representa en la canción con la blanca paloma, que en clave religiosa es sinónimo de paz, a la que están degollando. Ante la enumeración de injusticas que animan a la voz poética a seguir luchando contra ellas, se reitera la pregunta de qué opinará el Papa de Roma ante estos atropellos sociales. Por su parte, la composición musical rinde homenaje al fusilamiento de Julián Grimau el 20 de abril del mismo año en el que se compuso la melodía.

«El congreso de los ratones»

Esta sintonía forma parte del disco Revolución (Soñua, 1985) de La Polla Records. Con un tono irreverente, la pista de audio se mofa del funcionamiento del congreso de los diputados en España, recalcando su incapacidad para representar a los intereses del pueblo, ya que solo actúan en beneficio de la minoría elitista de la que forman parte. Al no sentirse el sujeto poético identificado con esta forma de gobierno, la rechaza proponiendo como alternativa el autogobierno de uno mismo. Si bien este sencillo nació en la década de los años ochenta del siglo XX, su letra sigue viva para muchas personas que contemplan cómo van ahogando sus derechos como ciudadanos. Lee el resto de esta entrada

Más allá del ombligo

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Les Corts: Escenari literari es un festival literario que se celebra por cuarto año consecutivo y que está organizado por el distrito barcelonés de Les Corts con Albert Lladó como comisario. La presente edición centra el foco en las maternidades desde la literatura para escuchar cómo se aborda esta condición humana desde varios puntos de vista que parten de la literatura, la música, las artes escénicas y la filosofía. Desde este último campo del conocimiento destaca la propuesta En cas de dubte, mirem-nos el melic (En caso de duda, mirémonos el ombligo) impartida por la filosofa Marina Garcés que contó con la moderación de la ensayista Ingrid Guardiola. El encuentro tuvo lugar el pasado 11 de mayo a las siete de la tarde en la biblioteca Montserrat Abelló.

El diálogo que establecen Marina Garcés e Ingrid Guardiola toma como punto de partida explicar el trasfondo del título de la charla. Garcés comenta que el germen del coloquio sobre maternidades donde comparte su experiencia como madre y pensadora procede de la expresión popular mirarse el ombligo. A raíz del centralismo del yo que encierra esta frase se revisita el simbolismo del ombligo como el vínculo que nos une de por vida a nuestra madre, debido a que es la huella del cordón umbilical que poseemos de la cuna a la sepultura. Por ello, la filosofa explica al público cómo esta cicatriz refleja la importancia de pensar más en un nosotros que en un yo. El sentido de comunidad cobra más peso que el individualismo sobre el que sustenta gran parte de la sociedad. A través de esta premisa, las dos mujeres construyen un discurso de la maternidad en torno a esta conexión maternofilial y cómo se mantiene con el paso de los años.

Guardiola señaló en un momento dado del coloquio su sorpresa como madre al observar los múltiples cambios de sus pequeños en sus seis meses de edad. Desde el punto de vista de una cotidianeidad urbanita que sucede a toda velocidad, tanto ella como la pensadora inciden en la importancia de saber disfrutar del crecimiento de un hijo o hija a la vez que recalcaron que dicho proceso también se refleja en la madre nuevo, se regresa a la idea de vincular. En esta ocasión, se entrelaza la experiencia materna que se va transformando con el envejecimiento de progenitores y descendientes, lo cual, según las ponentes, es maravilloso. El tiempo que pasamos juntos enriquece al nosotros que circula por toda la charla. Hacia la mitad de ella llegó un punto de inflexión sobre el que se podría debatir largas horas.

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