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La honra en Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa

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El presente artículo tratará los casos de honra más significativos en Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa. Para ello, se hará una definición del concepto de honra en el siglo XIX. Tras esto, se analizarán las diferentes situaciones de honra que se muestran en cada una de las obras decimonónicas mencionadas para después realizar una escala de valores entre ellas. Honra, decoro, recato y virtud. Estos cuatro términos tuvieron su apogeo en las comedias áureas. En el siglo XIX estos conceptos siguen arraigados en la sociedad y, especialmente, en la opinión que esta tenía de la mujer. La virtud de una dama reside en su castidad y su pureza de espíritu. Si ella se deja llevar por el deseo carnal, será lasciva. Por ello, para no pecar se precisa de prudencia, de temperamento fuerte y de recato. Este vocablo está ligado al de decoro, ya que ambos encierran el mismo significado. El recato es la actitud que una mujer debe de tener para mantener su condición social. Un ejemplo de ello se da cuando una mujer de condición humilde rechaza a un pretendiente de alta cuna. Asimismo, guardar el decoro implica que una mujer no aspire a casarse con alguien cuya escala social sea superior a la suya. Un contraejemplo de ello sucede cuando una criada mantiene una relación íntima con su amo.

Por su parte, la honra es un concepto más profundo pese a estar relacionado con los anteriores. Este término es una idea concebida para determinar la castidad de una mujer. La puesta en duda de este da pie a los casos de honra. Antes de adentrarse en ellos, cabe estipular el papel que la honra juega según el estado civil de una mujer en la sociedad decimonónica. En el siglo XIX, una mujer soltera disponía de dos caminos para subsistir en la sociedad. Por un lado, podía tomar votos religiosos y dedicar su vida a Dios. Por otro, podía casarse con alguien de su misma condición social y asumir el papel de perfecta casada. Cualquier otra elección que tomase, según los convenios sociales de la época, la llevaría a la lujuria, al pecado y a la deshonra. Una vez casada, una dama debía de seguir siendo un ángel del hogar. En caso contrario, esta podía ser víctima del aburrimiento que en última instancia la llevaría al adulterio.

En cuanto a los casos de honra, estos varían según las sospechas y evidencias del mismo. Por ejemplo, se puede creer que una mujer soltera ha mantenido relaciones ilícitas con un hombre. Si esta acusación no se respalda con pruebas, la acusada es inocente y, por ende, conserva su honra. Otro ejemplo se da cuando la sospecha se sustenta con pruebas concluyentes. Estos casos podrían dar dos resultados. Por un lado, una mujer soltera ha mantenido relaciones sexuales con un hombre convirtiéndose en deshonrada. La evidencia que clarifica este hecho es el hijo bastardo de ambos. Por otro lado, una mujer casada tiene un amante sin que su marido lo sepa. Sin embargo, las personas cercanas a la pareja conocen la deshonra de esta. La prueba irrefutable para demostrar esta falta se produce cuando el marido lo descubre. En suma, todos estos casos tienen un denominador común: los hechos. Estos determinarán la inocencia o no de una mujer.

Una vez expuesto el objeto de estudio de este trabajo, cabe sumergirse en las novelas Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa. Tormento de Benito Pérez Galdós fue publicada en 1884 aunque está ambientada en 1867. Bajo este marco histórico prerrevolucionario, se narra la situación de las hermanas Sánchez Emperador en una sociedad regida por las apariencias. Uno de los ejes de la trama es el enigma que rodea a Amparo Sánchez Emperador y cómo este se va desvelando a lo largo de la obra. Este misterio mostrará el desdibujado pasado de Amparo y el eco de este en el presente narrativo. Así pues, este elemento junto a una serie de factores sociales servirán de ingredientes para tratar la honra en Tormento. Lee el resto de esta entrada

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Variantes de las bibliotecas

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Biblioteques insòlites es una exposición que reúne la obra de varios artistas en torno a replantearse la concepción de lo que significa una biblioteca como baluarte del saber. Cada propuesta, que va acompañada de una hoja informativa, expresa una mirada personal que recopila la obra de cada autor emulando una biblioteca o una parte de ella. A su vez, las muestras invitan a apreciar el valor que poseen las distintas visiones personalizadas de la idea estandarizada de biblioteca. Este replanteamiento de un lugar conocido por todos se halla en el nivel 2 de Arts Santa Mònica con los aportes de Antónia del Río, Enric Farrés Durán, Ignasi Aballí, Fernando Bryce, Dora García, Juan Pérez Agirregoikoa, Javier Peñafiel, Alias Editorial, Clara Boj y Diego Díaz además de una sala de reserva como las de las grandes bibliotecas. Las obras expuestas transitan entre partes convencionales de una biblioteca y tintes de contracultura en un recorrido que no dejará a nadie indiferente.

Los archivadores en las bibliotecas han ido desapareciendo gradualmente con la informatización de estas. Antònia del Río rescata este mobiliario que recogía las fichas de los libros que habitan estos templos del conocimiento y en el interior de estos cajones semiabiertos en la exposición se pueden contemplar algunas de las publicaciones de la autora rindiendo así homenaje a la función primigenia de estos objetos, los cuales se transforma en una suerte de biblioteca personal a través de una presentación sencilla cuya riqueza reside en los documentos, en papel o reproducidos en tabletas, que configuran esta biblioteca insólita. Siguiendo esta línea de tomar una parte característica de una biblioteca, Enric Farrés Durán presenta una estantería minimalista repleta de libros colocados al revés y dos sillas de madera, procedentes del Ateneu Barcelonès, que incitan al visitante a sentarse a descubrir al azar las lecturas que el artista ha seleccionado para la biblioteca personal que enseña. En ambos casos, se da una vuelta de tuerca a la idea de biblioteca a partir de pequeñas partes de esta.

En mitad de la sala principal que ocupa Biblioteques insòlites se alza un muro en el que por una cara resalta el mosaico de algunas de las obras de Ignasi Alballí como Rótulos (2017), Listados (1998 – 2007), Prologo – Epilogo (2012), entre otros trabajos. La presentación de estos se caracteriza por la aglomeración o el minimalismo en cada serie de las que están colgadas en la pared cuya visión atrae al público debido a que cada grupo de imágenes despierta cierto grado de extrañamiento como, por ejemplo, la lámina verde donde con letras negras están escritas palabras que contienen este color enfatizando así el verdor de esa imagen de una forma sencilla a la vez que impactante.

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Garcilaso y la poesía nueva

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El presente artículo tratará sobre la culminación de la métrica italianizante en la lírica española gracias a la figura de Garcilaso de la Vega. Previamente, se enmarcará el contexto literario en el que surge esta poética italianizante. Tras esto, se señalarán los cauces poéticos españoles que influenciaron al toledano. Asimismo, se profundizará en cómo asimiló las formas italianas enriqueciendo la poesía española. De este modo, se persigue establecer el progreso de un poeta que logró amalgamar al molde hispánico la nueva poesía renacentista.

En el crepúsculo de la Edad Media, el hombre empieza a sentir que él es la medida de todas las cosas. Este antropocentrismo rompe con el teocentrismo medieval y abre un nuevo período lleno de avances en la sociedad europea. Entre ellos destacan el desembarco en el Nuevo Mundo, las reformas religiosas y la invención de la imprenta. Estos acontecimientos, acompañados de la relectura de los clásicos grecolatinos, forman al hombre moderno. Al salir de las tinieblas del Medievo, el humanista siente que debe renovarse. En respuesta a esta necesidad, en Italia se redescubren a los clásicos para parangonarse a ellos. Acto seguido, los autores españoles emularían a los italianos sumándose al Humanismo, concepto que surgió en el siglo XIX para denominar a los humanistas del siglo XVI. A su vez, estos intelectuales se adoctrinaron en las studia humanitatis (gramática, retorica, poética, historia y filosofía moral). Paralelamente, surge el Renacimiento:

Por renacimiento entiende todo el mundo la resurrección de las ideas y de las formas de la antigüedad clásica. Pero esta resurrección no podía hacerse sino en lo que era compatible con los adelantos y el espíritu de la civilización cristiana, y con el general movimiento de las naciones europeas. Así es que ni la idea ni la forma clásicas renacieron puras y sin mezcla, sino una y otra muy diferentes de lo que en Grecia y en Roma habían sido. No habían venido en balde el cristianismo, las invasiones germánicas y la Edad Media (Menéndez y Pelayo, 1942: 3).

Este renacer ideológico se manifiesta debido al progreso europeo. En el campo de las letras, la crítica aconseja glosar estas terminologías bajo la de Siglo de Oro, puesto que es más económica para referirse a las letras españolas de los siglos XVI y XVII. El concepto de Siglo de Oro procede de la aurea aetas clásica. Este término es empleado para referirse a una época de esplendor que, en el ámbito literario, abarcaría desde la poesía de Garcilaso de la Vega hasta el teatro de Calderón de la Barca (Blecua, 2006:88). En cuanto a la poesía, se retomaron temas clásicos como el bucolismo virgiliano, el amor platónico y la temática mitológica. La Poética de Aristóteles, las Bucólicas de Virgilio y la Metamorfosis de Ovidio fueron los modelos clásicos imitados por el hombre renacentista. Por su parte, Sannazaro, Petrarca, Ariosto o Dante fueron algunos de los modelos italianos que imitarían los autores españoles en el siglo XV.

Garcilaso de la Vega (Toledo, 1501 – Niza, 1536) fue uno de los poetas más ilustres del Siglo de Oro español. Su vida estuvo ligada a las armas y las letras, ya que compaginó su carrera militar con su interés por la poesía. Cursó sus estudios en Toledo hasta que empezó a servir al Emperador en la corte. La llegada de Carlos V a España en 1517 provocó antipatía social que desencadenó en la guerra de las Comunidades. En ella, Garcilaso luchó a favor del Emperador mientras que su hermano, Pedro Laso de la Vega, capitaneó la revuelta. En 1520 Carlos V nombró a Garcilaso de la Vega contino de su guardia. Tras esto, fue nombrado caballero de Santiago en 1523. En 1525 se casó con Elena de Zúñiga y al año siguiente conoció a Isabel Freyre, su amante. Debido a la implicación de Garcilaso en las nupcias de su sobrino el emperador lo destierra a una isla del Danubio (24-03-1532).Una vez libre, se dirigió a Nápoles donde entabló amistad con Pietro Bembo y Bernardo Tasso, entre otros. Entre 1533 – 1534, Garcilaso viajó de Nápoles a España para tratar unos asuntos. En uno de estos viajes supo de la muerte de Isabel Freyre. En 1536, Garcilaso sufrió una herida mortal mientras subía la muralla de Le Muy. Su cuerpo fue enterrado en el monasterio dominico de San Pedro Mártir (De la Vega, 1995: XXV – XL). Lee el resto de esta entrada

Identidad múltiple en Dollhouse y Split

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La identidad múltiple en la serie Dollhouse (2009 – 2010) de Joss Whedon y en el largometraje Split (2017) de M. Night Shyamalan forma parte del corazón de las tramas de las dos obras. Ambas plantean cómo se comporta una persona cuando en su mente habitan varios caracteres distintos. El desarrollo de esta idea diverge en las dos piezas audiovisuales. Pese a ello, se hallan puntos en común como la voluntad por parte del ser receptor de tantas voces por hallar un equilibrio en su cerebro o la encomiable interpretación actoral de los artistas que dan vida a estos individuos únicos. Sin este último ingrediente, la propuesta argumental que plantea la ficción televisiva de Whedon y la película de Shyalaman se desmoronaría.

Dollhouse trata sobre una corporación que actúa de forma ilegal vaciando las mentes de personas a las que previamente se les convence en una dollhouse de que les tratarán para mejorar su estado de ánimo sin especificarles los entresijos de su nueva situación que consiste en olvidar, mediante un proceso tecnológico, quienes eran para después implantarles un individuo base que se conoce como doll o activo. Una vez los sujetos carecen de sus recuerdos son sometidos a un tratamiento a través de aparatos electrónicos en el que se les descarga en su cerebro una personalidad programada con habilidades, recuerdos de toda una vida, idiomas y memoria muscular, entre otras características. La finalidad de la doll es satisfacer los deseos del cliente que contrata los servicios de la empresa que proporciona estos activos. Al terminar un trabajo, los sujetos regresan al laboratorio en el que viven y se les borra la persona que han emulado ser para regresar al estado base que es dócil, obediente y carente de aprendizaje a través de la experiencia.

Bajo este contexto, aparecen dos personajes, Alpha y Echo, que rompen el estado pasivo de los dolls, aprendiendo a ser conscientes de que son prisioneros en unas instalaciones en las que constantemente les manipulan para ser alguien distinto. Alpha es un doll que pierde el juicio al bajarse los datos de unas cuarenta personalidades en su cerebro, lo cual provoca efectos secundarios como la imposición de uno de los tipos de dentro de su cabeza sobre otros sin que el supuesto líder, Alpha, controle quien aparece en cada momento ni cuándo. Con el tiempo, subsana este problema. Por su parte, Echo, por obra de Alpha, le sucede lo mismo con la única diferencia de que ella es la que decide qué personalidad sale a la superficie y en qué momento. La singularidad de estos personajes reside en que, pese a ser fruto de un experimento científico, aceptan que en su interior existen diferentes personas con toda una vida realizada, lo cual les da una perspectiva más clara sobre cómo actuar para detener a la corporación que rige dollhouse, siendo este el objetivo último de la serie. Dicha tarea se consigue gracias al dominio de Echo de su nueva situación como recipiente de identidades múltiples, lo cual alcanza practicando ejercicios nemotécnicos y fingiendo la obediencia ciega para la que la han programado. Su rareza como doll es lo que le permite avanzar en el camino que derroque a los responsables de la corporación contra la que se lucha en esta ficción televisiva.

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Mito de Pigmalión en Buffy the Vampire Slayer

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El mito de Pigmalión aparece en la serie Buffy the Vampire Slayer (1997 – 2003) a través del personaje Warren Mears y los dos robots con forma de mujer, April y Buffybot, que fabrica. El deseo de un hombre que alcanza su anhelo de tener como compañera a la mujer perfecta hilvana con el empeño de un muchacho en crear a una chica que solo se fije en él. El mito griego se recoge en el libro X de las Metamorfosis (7 d.C.) de Publio Ovidio Nasón (Sulmona, 43 a. C. – Tomis, 17 d. C.) entre los versos 243 – 297 mientras que en la ficción televisiva concebida por Joss Whedon (New York, 1964) la relectura de este relato clásico se da en el episodio quince de la quinta temporada de Buffy titulado «I Was Made to Love You» así como en el capítulo dieciocho de la misma temporada que se llama «Intervention» y en varios momentos de la sexta temporada. El eco de la historia que recoge Ovidio se actualiza en esta ficción televisiva, en la que se recalcan los efectos negativos que provocan las creaciones artificiales de Mears tanto para con él como para las personas que le rodean.

Según el fragmento de las Metamorfosis dedicado al escultor Pigmalión, este, “ofendido por los vicios que numerosos a la mente/ femínea la naturaleza dio” (vv.244 – 245) esculpe en un trozo de mármol una escultura que toma la forma de su versión de la mujer perfecta. Ante la obra de arte que está cincelando, la besa y la toca como si fuera de carne y hueso. La devoción que le profesa a la estatua le lleva a pedirles a los dioses que la figura de marfil que ha concebido sea su esposa. Afrodita cumple con el deseo del escultor convirtiendo en humana la obra que Pigmalión había tallado. Esta transformación termina a modo de final feliz al contraer matrimonio el hombre que da nombre al mito con la mujer sin nombre que acaba de cobrar vida, lo cual es una conclusión edulcorada, debido al trato puramente de objeto de deseo por parte del escultor que, mientras pulía los detalles de la fisonomía de su futura mujer y durante la conversión de esta en un ser vivo, le besa los labios atraído por la belleza que desprende la figura.

El deseo ardiente de Pigmalión, siglos después, se explora en las dos autómatas de Mears. El episodio «I Was Made to Love You» de Buffy the Vampire Slayer ofrece lo que le podría haber sucedido al escultor si hubiera abandonado a la esposa que entre Afrodita y él crearon. En este caso vemos cómo April, la primera robot que funciona de las que realiza Mears, vaga desamparada buscando el amor de su creador al que no ve desde hace tiempo. Al descubrirse que este, tras regresar con su ex – novia, repudia a la autómata que programó para satisfacerlo en sus necesidades se acentúa el sinsentido que supone fabricar un ser artificial programado para ser un esclavo sexual que se arroja a la cuneta como si fuera un muñeco roto. El trato de este inventor a su creación, que toma como base el mito de Pigmalión, no deja de ser un ejemplo más de cómo algunos hombres usan a las mujeres. Mears solo reconoce la existencia de su creación cuando Buffy Summers y sus amigos investigan por qué una autómata está atacando a la gente del pueblo en busca de una persona. De lo contrario, él habría seguido ignorando la responsabilidad para con April.

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Cristiandad e historia en el Diálogo de Mercurio y Carón

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El presente artículo ahondará en dos aspectos primordiales del Diálogo de Mercurio y Carón de Alfonso de Valdés. En líneas generales, se indagará sobre la reforma cristiana que plantea el autor así como la presencia de la historia en la obra. En suma, se pretende acercar al lector a este diálogo a través de estos dos temas.

Alfonso de Valdés (1490 – 1532) fue un humanista afín al erasmismo del mismo modo que su hermano Juan. Según parece, fue formado por Pedro Mártir de Anghiera quien le llevó a la corte. A partir de 1520 Valdés empezó a formar parte de la cancillería imperial donde fue secretario de Mercurio Gattinara donde se encargaba de traducir la correspondencia. Más tarde, fue nombrado secretario del emperador (Valdés, 1992:13). Los vínculos entre Erasmo y Valdés, aún sin conocerse físicamente, eran bastante estrechos: el español no sólo había tomado a su cargo la defensa de los asuntos del holandés, sino que se convirtió en su principal difusor hasta tal punto que ser calificado como más erasmista que Erasmo. En cuanto a su obra, destaca el Diálogo de las cosas acaecidas en Roma y el Diálogo de Mercurio y Carón. El autor en ambos diálogos actúa como apologeta de Carlos V.

El Diálogo de Mercurio y Carón fue escrito hacia 1529 (Valdés, 1984:IX). En ella se relata como el mensajero de los dioses y el barquero infernal conversan sobre la cristiandad y sobre el desafío del rey de Francia y del de Inglaterra contra Carlos V. Este hilo argumental es interrumpido, en ocasiones, por la llegada de las almas de los difuntos que, a su vez, contarán su historia que será satirizada en la primera parte. Asimismo, su testimonio servirá para ejemplificar a los malos y buenos cristianos. La obra tiene una estructura tripartita compuesta por un proemio, una primera parte y una segunda parte. En el proemio el autor presenta el objetivo del trabajo así como las influencias de las que bebe. Este planteamiento se desarrolla en las dos partes de la obra.

Durante el Humanismo se imitan a los clásicos. Bajo este contexto, se emula la sátira menipea de la mano de Erasmo, Tomas Moro, Juan Luis Vives y Alfonso de Valdés con su Diálogo de Mercurio y Carón inspirado en Séneca y Luciano, los cuales siguen la estela iniciada por Luciano con el Caronte o los contempladores, los Diálogos de los muertos o La travesía o el tirano. Este modelo lucianesco puede verse en el Charon de Pontano y en el de Erasmo escritos en 1467 y 1523 respectivamente. Por su parte, Valdés prosigue con la imitación lucianesca de la sátira menipea en el Diálogo de Mercurio y Carón (Valdés Gázquez, 2008:140). Lee el resto de esta entrada

Música para correr

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Escuchar música para correr nos da compañía, motivación y ayuda a centrarnos en el objetivo que queremos acometer durante la práctica de este ejercicio físico de forma distinta a la música para estudiar. Recorrer quilómetros con la suela de zapatillas deportivas no es solo una moda que está en boga hoy en día sino que es un aliado para mantener una buena salud y forma física siempre que se mantenga un ritmo constante sin dañar el cuerpo. La elección de una lista de canciones que nos sirvan de escuderos en este cometido es crucial para centrarse en la tarea de avanzar hacia adelante paso a paso sin distracciones externas. La elaboración del repertorio dependerá de los gustos musicales del usuario y del efecto de la parte instrumental de una melodía así como de la letra, ya que no es lo mismo escuchar un tema cañero con mensaje motivacional que una balada de carácter amoroso. También influye el lugar  en el que se ejecute esta actividad siendo distinto si nos hallamos en un gimnasio, donde no siempre nos dejarán escuchar música por los auriculares, que al aire libre.

Para disfrutar de una mayor capacidad de movimiento en la elección de las piezas musicales a la vez que podamos correr de una forma más sana es recomendable elegir un espacio natural en el que haya caminos aptos para nuestro cometido. En este caso son válidas tanto las zonas de montaña como las de playa. Una vez elegido el lugar, cabe preguntarse qué tipo auriculares usaremos. Por ejemplo, los de tamaño grande protegen el oído de sonidos estridentes pero son molestos a grandes temperaturas mientras que los que poseen unas dimensiones medianas y pequeñas no sobrecalientan la oreja a pesar de que, a priori, es más probable que el interior de la oreja se nos dañe con un alto volumen de las canciones o un mal uso de ellos. Sea cual sea la opción seleccionada, se debe de utilizar con responsabilidad sin causar molestias.

El género por excelencia para animarnos durante el ejercicio de correr, darnos ese añadido motivacional que nos empuja a dar lo mejor de nosotros mismos en cada tramo del recorrido y que, pasen los años que pasen, no decae es el rock & roll. La fuerza que transmiten las notas musicales que salen de guitarras eléctricas, baterías, bajos y platillos no se da en otra modalidad musical. En mi opinión, existen tres temas que toda persona que quiera practicar footing escuchando rock podría incorporar a su lista de reproducción. Se trata de «Fight the good fight» de Triumph, «Eye of the tiger» de Survivor y «Pushing to the limit» de Paul Engemann. Estos tres hits de la década de los ochenta pueden ser la fuente de energía en la que apoyarnos para centrarnos en la ruta que elijamos, nos motivemos en lograr como objetivo correr los quilómetros que nuestros músculos pueden alcanzar y nos anime a mantener el ritmo. En estos tres casos el acompañamiento instrumental puramente rock y versos como “Fight the good fight every moment”, “Hanging tough, staying hungry” o “Nothing gonna stop you, there’s nothing that strong” de las tres canciones mencionadas anteriormente, respectivamente, refuerzan el espíritu luchador que arde en el corazón del corredor o corredora a la hora de salir a practicar running.

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