Cristiandad e historia en el Diálogo de Mercurio y Carón

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El presente artículo ahondará en dos aspectos primordiales del Diálogo de Mercurio y Carón de Alfonso de Valdés. En líneas generales, se indagará sobre la reforma cristiana que plantea el autor así como la presencia de la historia en la obra. En suma, se pretende acercar al lector a este diálogo a través de estos dos temas.

Alfonso de Valdés (1490 – 1532) fue un humanista afín al erasmismo del mismo modo que su hermano Juan. Según parece, fue formado por Pedro Mártir de Anghiera quien le llevó a la corte. A partir de 1520 Valdés empezó a formar parte de la cancillería imperial donde fue secretario de Mercurio Gattinara donde se encargaba de traducir la correspondencia. Más tarde, fue nombrado secretario del emperador (Valdés, 1992:13). Los vínculos entre Erasmo y Valdés, aún sin conocerse físicamente, eran bastante estrechos: el español no sólo había tomado a su cargo la defensa de los asuntos del holandés, sino que se convirtió en su principal difusor hasta tal punto que ser calificado como más erasmista que Erasmo. En cuanto a su obra, destaca el Diálogo de las cosas acaecidas en Roma y el Diálogo de Mercurio y Carón. El autor en ambos diálogos actúa como apologeta de Carlos V.

El Diálogo de Mercurio y Carón fue escrito hacia 1529 (Valdés, 1984:IX). En ella se relata como el mensajero de los dioses y el barquero infernal conversan sobre la cristiandad y sobre el desafío del rey de Francia y del de Inglaterra contra Carlos V. Este hilo argumental es interrumpido, en ocasiones, por la llegada de las almas de los difuntos que, a su vez, contarán su historia que será satirizada en la primera parte. Asimismo, su testimonio servirá para ejemplificar a los malos y buenos cristianos. La obra tiene una estructura tripartita compuesta por un proemio, una primera parte y una segunda parte. En el proemio el autor presenta el objetivo del trabajo así como las influencias de las que bebe. Este planteamiento se desarrolla en las dos partes de la obra.

Durante el Humanismo se imitan a los clásicos. Bajo este contexto, se emula la sátira menipea de la mano de Erasmo, Tomas Moro, Juan Luis Vives y Alfonso de Valdés con su Diálogo de Mercurio y Carón inspirado en Séneca y Luciano, los cuales siguen la estela iniciada por Luciano con el Caronte o los contempladores, los Diálogos de los muertos o La travesía o el tirano. Este modelo lucianesco puede verse en el Charon de Pontano y en el de Erasmo escritos en 1467 y 1523 respectivamente. Por su parte, Valdés prosigue con la imitación lucianesca de la sátira menipea en el Diálogo de Mercurio y Carón (Valdés Gázquez, 2008:140). Lee el resto de esta entrada

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Música para correr

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Escuchar música para correr nos da compañía, motivación y ayuda a centrarnos en el objetivo que queremos acometer durante la práctica de este ejercicio físico de forma distinta a la música para estudiar. Recorrer quilómetros con la suela de zapatillas deportivas no es solo una moda que está en boga hoy en día sino que es un aliado para mantener una buena salud y forma física siempre que se mantenga un ritmo constante sin dañar el cuerpo. La elección de una lista de canciones que nos sirvan de escuderos en este cometido es crucial para centrarse en la tarea de avanzar hacia adelante paso a paso sin distracciones externas. La elaboración del repertorio dependerá de los gustos musicales del usuario y del efecto de la parte instrumental de una melodía así como de la letra, ya que no es lo mismo escuchar un tema cañero con mensaje motivacional que una balada de carácter amoroso. También influye el lugar  en el que se ejecute esta actividad siendo distinto si nos hallamos en un gimnasio, donde no siempre nos dejarán escuchar música por los auriculares, que al aire libre.

Para disfrutar de una mayor capacidad de movimiento en la elección de las piezas musicales a la vez que podamos correr de una forma más sana es recomendable elegir un espacio natural en el que haya caminos aptos para nuestro cometido. En este caso son válidas tanto las zonas de montaña como las de playa. Una vez elegido el lugar, cabe preguntarse qué tipo auriculares usaremos. Por ejemplo, los de tamaño grande protegen el oído de sonidos estridentes pero son molestos a grandes temperaturas mientras que los que poseen unas dimensiones medianas y pequeñas no sobrecalientan la oreja a pesar de que, a priori, es más probable que el interior de la oreja se nos dañe con un alto volumen de las canciones o un mal uso de ellos. Sea cual sea la opción seleccionada, se debe de utilizar con responsabilidad sin causar molestias.

El género por excelencia para animarnos durante el ejercicio de correr, darnos ese añadido motivacional que nos empuja a dar lo mejor de nosotros mismos en cada tramo del recorrido y que, pasen los años que pasen, no decae es el rock & roll. La fuerza que transmiten las notas musicales que salen de guitarras eléctricas, baterías, bajos y platillos no se da en otra modalidad musical. En mi opinión, existen tres temas que toda persona que quiera practicar footing escuchando rock podría incorporar a su lista de reproducción. Se trata de «Fight the good fight» de Triumph, «Eye of the tiger» de Survivor y «Pushing to the limit» de Paul Engemann. Estos tres hits de la década de los ochenta pueden ser la fuente de energía en la que apoyarnos para centrarnos en la ruta que elijamos, nos motivemos en lograr como objetivo correr los quilómetros que nuestros músculos pueden alcanzar y nos anime a mantener el ritmo. En estos tres casos el acompañamiento instrumental puramente rock y versos como “Fight the good fight every moment”, “Hanging tough, staying hungry” o “Nothing gonna stop you, there’s nothing that strong” de las tres canciones mencionadas anteriormente, respectivamente, refuerzan el espíritu luchador que arde en el corazón del corredor o corredora a la hora de salir a practicar running.

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Las siete miradas de Sara

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Siete Miradas En Un Mismo Paisaje (Anagrama, 1981, Barcelona), primer libro de cuentos de Esther Tusquets (Barcelona, 1936 – 2012), está compuesto por siete relatos en los que varias niñas y adolescentes llamadas Sara narran su visión de la sociedad elitista de la España de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, los primeros amores a través de miradas ingenuas, inocentes y llenas de convicción hacia lo que estas narradoras creen que es lo correcto. A pesar de que todos los cuentos estén protagonizados por distintas Sara, sus voces se unen en la forma de ver el mundo burgués de posguerra en el que viven y de enfrentarse a él mientras van comprendiendo las ideas que los adultos quieren inculcarles por haber nacido en una familia adinerada.

Los personajes llamados Sara de este compendio de historias breves muestran en su adolescencia o bien una primera experiencia sexual o amor hacia otras personas. En cuanto a las primeras, estas son narradas con cariño y erotismo hacia el sexo sin que este sea percibido por Sara como un acto frívolo ni puramente físico, ya que ellas lo disfrutan. En «Giselle» se refleja cómo Sara siente un placer para ella inesperado al perder su virginidad por un hombre mayor que ella del que no está enamorada mientras que en «He besado tu boca, Yokanaán» el sexo es fruto del amor entre Sara y Ernesto. Por ello, la descripción del rito de iniciación sexual parte en ambos casos de distintos lugares, pero mantienen un lenguaje narrativo lleno de inocencia y delicadeza al tratar el cuerpo de una chica. El afecto que Sara siente hacia Ernesto cobra fuerza porque él pertenece a una clase social más humilde que la de ella. Este cariño que siente ella se palpa en las niñas Sara cuando manifiestan simpatía hacia personas a las que sus familiares consideran inferiores desde su posición de miembros de una oligarquía social.

La candidez de Sara le lleva a relacionarse con estas personas para comprender por qué intentan educarla para congeniar solo con niños y niñas que pertenecen a la alta burguesía como ella. Prueba de este contraste social en el que se palpan la ideología de las dos Españas durante el franquismo se halla en «Los primos» donde la pequeña Sara siente más cariño por su primo Bruno, que se educa en un colegio de curas a la vez que es afín a ideas contrarias al régimen franquista, en lugar de mostrar aprecio por Gabi que, como ella, es hijo de padres partidarios del fascismo. «Exiliados», en un contexto distinto, muestra cómo otra Sara acepta a un niño forastero que la identifica como miembro del pueblo, reafirmando así que ella, sin ser consciente, rechaza las costumbres de la sociedad elitista en la que ha nacido.

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Fairy Tail: análisis arco de Macao

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Fairy Tail (2006 – 2017) es un shōnen creado por Hiro Mashima que narra las aventuras de un gremio de magos llamado Fairy Tail. Este manga empieza con el arco argumental de Macao cuyo nombre hace referencia a uno de los miembros de Fairy Tail que se da por desaparecido al tardar en regresar de un trabajo. Esta primera saga consta de tan sólo tres capítulos en el manga titulados: «Fairy Tail», «¡Aparece el maestro!» y «La salamandra, el mono y el toro». La historia tiene como punto de partida cumplir el sueño que quiere alcanzar Lucy Heartfilia de ser hechicera de Fairy Tail, con lo cual, en ocasiones, ella será una de las voces narrativas que cuenten el devenir de la trama a modo de diario personal junto con un narrador omnisciente. El viaje de esta chica se desarrolla en un mundo ficticio que está repleto de humor, aventuras, magia, combates y una defensa férrea de los valores del gremio de magos que da título a este shōnen que son apoyar a los compañeros y compañeras de Fairy Tail, divertirse con ellos y actuar según lo que uno crea que es lo correcto en cada situación por el bien del gremio.
La trama presenta cómo Lucy conoce a Natsu y Happy siendo este encuentro la base que llevará a la joven hechicera a formar parte del gremio al que anhela unirse. Los tres han viajado a Hargeon por motivos distintos. La primera está comprando objetos mágicos mientras que el segundo comprueba si los rumores sobre la aparición de Salamander son ciertos. El nombre de este mago de fuego les atraerá hacia un estafador que finge ser Salamander. Al ser desenmascarado por Natsu, el verdadero Salamander, Lucy lo invita a comer y ambos comparten con el otro cuál es su meta en la vida. Ella sueña con ser hechicera de un gran gremio mientras que él quiere encontrar a Igneel, un dragón que fue su padre adoptivo para posteriormente desaparecer. Tras el primer encuentro de Lucy, Natsu y Happy, sus caminos se separan para reencontrarse en el barco del timador, cuyo nombre real es Bora, que Natsu señala de nuevo como impostor al afirmar ser miembro de su gremio, siendo esto falso. Esta relevación, tras un combate entre este mago contra Bora sus subordinados, le llevará a Lucy al gremio de magos con el que sueña.
Una vez allí, Fairy Tail se manifiesta como un grupo de hechiceros alegres y que se pelean entre sí de forma amistosa, estando en una juerga perpetua hasta que Makarov, maestro del gremio, consigue con su presencia que vuelva la calma para anunciarles que el consejo mágico es consciente de los desperfectos que causan los magos en su trabajos. Seguidamente, quema con magia de fuego los documentos que contienen esta información y les deja claro a los magos del gremio que cada uno tiene que hacer lo que crea que tiene que hacer. Siguiendo esta máxima, Natsu decide ir en busca de Macao porque su hijo Romeo afirma que su padre ha desaparecido. Teniendo presente su situación con Igneel, el joven mago no duda en viajar al monte Hakobe acompañado de Happy y Lucy donde entre los tres derrotarán a un Vulcano que, finalmente, se revelará como Macao, ya que los monos Vulcano poseen cuerpos humanos. Macao consiguió domar a diecinueve de ellos para que su hijo esté orgulloso de su padre. El número veinte tomó el control de él hasta que los tres hechiceros que fueron a rescatarlo vencieron al monstruo.
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Orgullo cornellanense

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Allenrok (Sony BMG, 26 – 02 – 2008), quinto disco de Estopa, refleja el orgullo cornellanense de los hermanos Muñoz por su ciudad natal, Cornellá de Llobregat, con la elección del nombre invertido de esta para su nuevo trabajo que, a su vez, ofrece la lectura de una castellanización del inglés All in rock, lo cual se vertebra con la omnipresencia del rock & roll en el álbum junto a la rumba, la balada o sonidos experimentales que marcan una degradación musical desde la primera canción hasta la última, logrando así ir de la rumba más estopera a géneros más alejados de lo que ellos suelen tocar. Por otro lado, cabe destacar que este es el primer cedé en el que el dúo cornellanense se embarca como productores musicales del mismo, siendo este hecho un acto de madurez por su parte como artistas. Asimismo, como suele suceder con cada uno de sus discos, el trabajo posee una serie de innovaciones que solo se pueden disfrutar teniéndolo físicamente. La más llamativa es la opción de entrar en el espacio web del sistema Opendisc, el cual permite al usuario descargarse de forma legal y gratuita la maqueta del álbum a la vez que puede disfrutar de vídeos exclusivos de los autores que se visualizaron en su momento primero gracias a la clave que cada cedé llevaba en él. Si bien esta novedad, única en la discografía del dúo de Cornellá, es llamativa, el diseño de la portada y la contraportada configuran un mapa de un Cornellá inverso transformado en una suerte de parque de atracciones con los lugares emblemáticos para David y José Muñoz. Cada rincón de esta extrapolación de Cornellá está señalado en el mapa con doce puntos que corresponden a cada tema, lo cual enriquece aún más el viaje musical que nos transporta a esta ciudad estopera llamada Allenrok.

«Cuando amanece»

Esta pista de audio, primer single del disco, es una declaración de amor del sujeto poético hacia su amada que se siente feliz de que lo primero que vea al despertar sea su rostro, lo cual le lleva a alegrarse por amarla apasionadamente hasta el punto de que el tiempo se detiene al fijarse en su mirada y nada en el mundo importa salvo ella. En cuanto a la parte instrumental, destaca la batería de Angie Bao, la guitarra eléctrica de Ludovico Vagnone y la guitarra española de Juan Maya que enfatizan con un ritmo contundente en el que se mezcla rumba y rock & roll el mensaje de la pieza musical. Esta intención va in crescendo a lo largo de la composición, logrando que hacia el final de la misma se escuche un solo del bajo de Antonio Ramos “Maca” que finaliza con los coros de Chonchi Heredia que acompañan a la voz de David Muñoz en el estribillo del final de la melodía, lo cual recuerda a los coros que hizo la cantante en Estopa.

«Cuerpo triste»

Esta sintonía, segundo single del trabajo, narra las peripecias de un adicto a las drogas, mentiroso compulsivo al que todo el barrio conoce como una causa perdida que, en homenaje a una expresión que la abuela del dúo catalán les decía, se denomina en el sencillo como Cuerpo triste porque de esta manera se cristaliza la actitud de este personaje que, a pesar de que su vicio lo tiene consumido, sigue enganchado a él. En un intento por ayudarle, el sujeto poético invita al bala perdida a su casa para que tenga donde cobijarse y así, quizás, desintoxicarse. Respecto al acompañamiento musical, destaca la batería de Angie Bao, el bajo de Antonio Ramos “Maca”, la percusión de Luis Dulzaides que sirven como base musical para esta canción. A estos sonidos se le suma la guitarra eléctrica de Ludovico Vagnone, los teclados de Nacho Lesco y la guitarra española de Juan Maya, que refuerza el estribillo, que otorgan al tema un sonido a caballo entre la rumba catalana y el rock que le dan un toque alegre al final de la pista de audio. Lee el resto de esta entrada

Descomponiendo Breaking Bad

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Breaking Bad: 530 gramos (de papel) para serieadictos no rehabilitados (VV.AA, Errata Naturae, Madrid, 2013) descompone la serie creada por Vince Gilligan en dieciocho artículos de varios autores distribuidos en cuatro bloques que ahondan en diferentes aspectos de una de las mejores ficciones televisivas de la actual década. El primero, titulado “Introducción al laboratorio”, se realiza una primera aproximación a la serie centrándose en el personaje de Walter White como cocinero de metanfetamina mientras que el segundo, titulado “Las otras formulas de Breaking Bad”, desgrana al personaje de Walter White. Por su parte, el tercer y cuatro bloques, titulados “La composición química del guión y la narrativa seriada” y “La mirada a través del cristal azul”, respectivamente, se centran más en componentes narrativos y audiovisuales de Breaking Bad. La suma de estas cuatro secciones confecciona un análisis exhaustivo de una de las ficciones televisivas más aplaudidas de la última década.

En “Introducción al laboratorio” el artículo «Adversus White. Tres objeciones de amor y una ovación desesperada» de Iván de los Ríos trata sobre cómo en Albuquerque, ciudad de frontera entre Estados Unidos y México, prolifera el negocio de la droga a la vez que existe un sistema sanitario deficiente. El autor contempla estos factores como favorecedores para que Walter White, tras tener frente a frente a la muerte, decida dejar de ser un hombre anodino para convertirse en una persona que cocina metanfetamina azul bajo el pseudónimo de Heisenberg de forma similar a la que sufre el Dr. Jekyll al volverse Mr. Hyde. Esta transformación hacia un ser maligno, según de los Ríos, supone el punto fuerte y débil de la trama aunque cabe la posibilidad de que los vicios de White estuvieran durmientes en su ser y el cáncer simplemente los despertara.

Tanto si este personaje siempre ha sido malvado o no, Greg Littman en «¿Cocinar coloca a Walt en el lado de los ‘malos’?» se plantea si la labor que ejerce Heisenberg repercute en el aumento de consumo de drogas. Sea el producto de la calidad que sea, parece ser que siempre habrá drogadictos, lo cual es un problema cuya solución pasaría por una mayor concienciación social. En «Así hacemos Breaking Bad» Tod Van DerWerf entrevista a Vince Gilligan y este comenta varios aspectos conceptuales de esta serie de televisión como la importancia de que los personajes indiquen hacia dónde va la trama para que esta sea más orgánica o cómo la sutileza es un valor añadido en esta serie, ya que al hacerlo no se le da todo masticado al espectador. Asimismo, destaca, entre otros aspectos, que el orgullo es el gran defecto de Walter White.

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Las voces de Songokumanía: El Big Bang del Manga

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Songokumanía: El Big Bang del Manga (Mamonaku Films, 2012 – 2016) es un documental ideado por Oriol Estrada que está formado por fragmentos de entrevistas a Cels Piñol, autor de Fanhunter; Marc Bernabé, traductor en Daruma Serveis Lingüístics; Óscar Valiente, director de Norma Editorial; Manu Guerrero, product manager de Selecta Visión; Antonio Martín, director editorial de Comics Fórum (1982 – 2000); Pere Olivé, director artístico en el Grupo Planeta (1984 – 2006); Joan Navarro, director general Editores de tebeos; Montserrat Samón, licensing manager Grupo Planeta (1991 – 1999); Chigusa Ogino, agente asociada en Tuttle Mori en 1991 y actual directora; Oleguer Sarsanedas, director de programación de TV3 (1990 – 1996); Ana María Meca, coordinadora editorial de Estudio Fénix; Àlex Samaranch, director general Estudio Fénix y Genís Puig, director del portal web Misión Tokyo.

El contenido del documental es la semilla que llevó a plantearse a Estrada la confección del libro Songokumanía: El big bang del manga (Edicions Xandri, 2016). Los testimonios reunidos en este documento audiovisual generan una polifonía de voces de lo que supuso el inicio del fenómeno social conocido como Songokumanía. Cada uno de ellos narra con ilusión y alegría cómo fue su primera vez con Dragon Ball, en el caso de los fans, o qué línea de sucesos llevaron a la edición de la serie blanca de Dragon Ball por parte de Planeta de Agostini. Tanto esta aventura editorial como el relato épico que se desarrollaba en los televisores de miles de hogares españoles supusieron un punto de inflexión en sus vidas y en la forma en la que se concibe actualmente el manganime. Por ello, el autor de este proyecto defiende que la Songokumanía fue el big bang del manga.

Respecto a la manera de presentar las entrevistas, cabe destacar los títulos de crédito en los que se ve a Oriol Estrada pasear por una playa, probablemente de la comarca El Maresme, para desenterrar de la arena una dragon ball como hicieron Son Goku y sus amigos en incontables ocasiones. Durante el proceso suena la versión japonesa de la canción «Per mars i muntanyes» del grupo catalán Els amics de les arts, la cual está inspirada en la obra estrella de Akira Toriyama. Tras este arranque mágico, dan comienzo los testigos que se pueden ver en el documental. Entre algunas de las intervenciones hay intermedios protagonizados por la voz en off de Estrada que narra momentos clave de la serie, mostrando, a su vez, recortes de prensa de la época sobre el impacto que tuvo Bola de Drac en Cataluña. Este apoyo gráfico enfatiza el discurso sobre el que pivota este vídeo así como ejerce la función de documento histórico en papel sobre lo que los participantes del proyecto cuentan. Entre ellos, resalta la aparición de Montserrat Samón y Chigusa Ogino cuyas anécdotas no se incluían en la primera versión de este documento audiovisual emitida en 2012.

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