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Canciones de cine

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Al ver una película nos encontramos canciones de cine que atesoramos en nuestra memoria como grandes temas vinculados a un film u otro. En ocasiones, estas melodías las compone un grupo musical con un acompañamiento instrumental y una letra específica para un largometraje enlazando así su existencia al relato cinéfilo en el que aparecen para recalcar escenas clave que las unen en el imaginario colectivo de los espectadores. De las innumerables sintonías de películas, cabe destacar tres sencillos nacidos en la década de los ochenta que no dejan a nadie indiferente. Se trata de «The eye of the tiger» de Survivor (The eye of the tiger, EMI, 1982), «Maniac» de Michael Sembello (Bossa Nova Hotel, EMI, 1983) y «Ghostbusters» de Ray Parker Jr. (Ghostbusters: Original Soundtrack Album, Arista Records, 1984) que pertenecen a los films Rocky III (Sylvester Stallone, United Artists, 1982),  Flashdance (Adrian Lyne, Paramount Pictures, 1983) y Ghostbusters (Ivan Reitman, Columbia Pictures, 1984), respectivamente. Acompañadme en este viaje musical de cine.

«The eye of the tiger»

Esta canción, compuesta a petición del propio Stallone para Rocky III, suena en el minuto 2:25 de la película con el propósito de enfatizar la victoria del potro italiano sobre Apollo Creed que sucedió en la entrega anterior de la saga. A su vez, la parte instrumental y la letra de este tema se superponen a los combates que Rocky va ganando como campeón ante la desafiante mirada de Cubba Lange, futuro rival del boxeador. Esta versión difiere de la incluida en el disco de Survivor de título homónimo a esta canción, ya que la melodía aún no había sido grabada en el estudio. Pese a ello, ambas sintonías son excepcionales. En cuanto al contenido de la pieza musical, en ella ruge el hambre por ganar de un hombre que pelea con la mirada del tigre. Este contenido, que encaja perfectamente en el film, invita al oyente a luchar por conseguir una meta tanto dentro como fuera del ámbito del boxeo siempre recordando cómo Rocky aceptó el desafío de Cubba Lange en el épico encuentro de estos dos púgiles en el ring.

«Maniac»

Esta pista de audio, surgida después de que el autor viera el largometraje de terror Maniac, no se creó específicamente para Flashdance. Sin embargo, debido a que la esposa de Michael Sembello se la envió a la productora de la película, Phil Ramone, productor de Flashdance, optó por cambiar unos versos para que esta canción se acoplara a la historia de una chica a la que apasiona bailar. Los cambios favorecieron que este tema de cine ochentero traspasara las fronteras del espacio y del tiempo en un largometraje aceptable. Respecto al contenido de la composición musical, esta retrata a una chica que trabaja en una fábrica siderúrgica y que sueña con bailar. Es decir, la historia de Alex. Al reflejar la lucha por un sueño, esta melodía anima a conseguir objetivos inalcanzables que nos apasionen. Lee el resto de esta entrada

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Wild Wild DeLorean

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Back to the future III (Robert Zemeckis, Universal Pictures, 1990) concluye la trilogía de viajes en el tiempo de Back to the Future ofreciéndonos la última aventura del doctor Emmett Brown, Doc, y Marty McFly. Si bien en la primera entrega estos personajes viajaron al pasado (1955) y al futuro en la segunda (2015), en esta tercera parte el rayo que impacta en la máquina del tiempo con Doc dentro al final de la anterior película, lo transporta al período temporal que siempre soñó conocer. El Salvaje Oeste. En concreto, aterriza en el Hill Valley de 1885. Este film, por tanto, toma como base una ambientación del género del western con la adición de los viajes en el tiempo cuyo efecto en la línea temporal solo se ve afectado al salvar a Clara Clayton de morir al despeñarse por un barranco que Marty recordaba con el apellido de esta profesora ya que, según la historia local de su pueblo, lo bautizaron así tras el accidente que él y el doctor Brown evitaron. Esta singularidad temporal se usa para que el científico obsesionado con viajar por el tiempo se enamore.

Según Doc, en el universo existen dos grandes misterios que siempre ha querido resolver. El primero consiste en averiguar cómo desplazarse a través de los períodos del tiempo, lo cual ha conseguido, mientras que el segundo lo comparte con otros hombres. Las mujeres. Si bien hasta ahora se había mostrado la pasión del personaje por la ciencia, en el último largometraje de esta trilogía se ahonda en el corazón de este peculiar genio. Sin cambiar su forma de ser ni aparentar ser alguien distinto, el doctor Brown conecta con la profesora a la que salva. Tanto él como Clara ven en el otro una belleza intelectual más allá del atractivo físico. Esta relación llevará, de nuevo, a Marty y su alocado amigo a intentar evitar la muerte de este último.

El viaje del joven McFly, cuyo peso en la trama de las dos anteriores entregas es más que palpable, se dirige hacia un sendero distinto. Al conocer a sus antepasados irlandeses, sabrá que uno de ellos falleció debido a perder los estribos cuando alguien le llamaba gallina como le ocurre a Marty. En Back to the Future II, el muchacho descubre que su carrera musical se desmorona tras sufrir un accidente automovilístico que le impedirá volver a tocar la guitarra, amargándose así la existencia. Dependerá de él si seguir ese posible futuro o no. En los numerosos enfrentamientos con Buford ‘Perro rabioso’ Tannen se verá cuánto ha madurado el chico en sus experiencias a través del tiempo.

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Viaje a tierras manganime

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Una atractiva exposición de turismo manganime, titulada Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime, se puede visitar del diez de abril al nueve de mayo en la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra conjuntamente con otra llamada Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. La segunda de estas muestras recoge material único de varios mangas mientras que la primera, que ocupa más espacio en la biblioteca, recorre las localizaciones reales en las que se ha inspirado la geografía de obras como Rurouni Kenshin, Shin Chan, Ranma ½, Love Hina, películas de Studio Ghibli, etc. Fotografías, mapas, merchandising y maquetas a pequeña escala de construcciones arquitectónicas japonesas configuran el recorrido por el que se transita al contemplar esta exposición. Acompañadme en este viaje a las tierras en las que habita el manganime.

Tras las puertas de la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra se puede caminar por cualquiera de las dos muestras que esta alberga en el orden en que el visitante desee. La más cercana es, a su vez, la más efímera. Se trata de Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. En ella los ojos del otaku brillan de emoción debido a réplicas autentificadas por Bird Studio y Toei Animation de páginas de cómic japonés, cels y gengas así como merchandising de toda clase. En las paredes de la exposición destacan copias autentificadas de mangas como Rurouni Kenshin, Yu Yu Hakusho, Dr. Slump o Dragon Ball. Los fans de estos shōnens disfrutarán ante la batalla entre Shishio y Kenshin, el dragón de llamas negras de Hiei o varias instantáneas de las peleas de Goku. Por otro lado, en dos mesas cubiertas por cristales protectores hay esparcidas piezas de coleccionismo de las obras mencionadas anteriormente junto con material en donde aparecen personajes de Captain Tsubasa, Kinnikuman además de los personajes de los cómics japoneses anteriores.

Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime da la bienvenida al público con un torii detrás del cual nos introducimos en una sala donde haremos turismos a través del mundo manganime en tres localizaciones: Japón contemporáneo, Japón feudal y espacios europeos. Iniciando el trayecto en el país del sol naciente, la primera parada es Tama que es la ciudad en la que se desarrolla el film Susurros del corazón (Yoshifumi Kondō, Studio Ghibli, 1995). En la pared de la exposición cuelgan carteles informativos que describen los rincones reales por los que pasean los personajes de películas y series de animación japonesa. En el caso de la población de esta región de Kanto vemos imágenes comparativas entre los espacios por los que transitan Shizuku Tsukishima y Seiji Amasawa con los reales. Acompañando estas instantáneas se adjunta un mapa que reúne puntos del Tama ficticio, logrando así que el visitante recorra cada recoveco de la población que aparece en este largometraje de Studio Ghibli. El mismo método se repite en los sucesivos puntos del viaje turístico por mangas y animes emblemáticos. Lee el resto de esta entrada

Identidad múltiple en Dollhouse y Split

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La identidad múltiple en la serie Dollhouse (2009 – 2010) de Joss Whedon y en el largometraje Split (2017) de M. Night Shyamalan forma parte del corazón de las tramas de las dos obras. Ambas plantean cómo se comporta una persona cuando en su mente habitan varios caracteres distintos. El desarrollo de esta idea diverge en las dos piezas audiovisuales. Pese a ello, se hallan puntos en común como la voluntad por parte del ser receptor de tantas voces por hallar un equilibrio en su cerebro o la encomiable interpretación actoral de los artistas que dan vida a estos individuos únicos. Sin este último ingrediente, la propuesta argumental que plantea la ficción televisiva de Whedon y la película de Shyalaman se desmoronaría.

Dollhouse trata sobre una corporación que actúa de forma ilegal vaciando las mentes de personas a las que previamente se les convence en una dollhouse de que les tratarán para mejorar su estado de ánimo sin especificarles los entresijos de su nueva situación que consiste en olvidar, mediante un proceso tecnológico, quienes eran para después implantarles un individuo base que se conoce como doll o activo. Una vez los sujetos carecen de sus recuerdos son sometidos a un tratamiento a través de aparatos electrónicos en el que se les descarga en su cerebro una personalidad programada con habilidades, recuerdos de toda una vida, idiomas y memoria muscular, entre otras características. La finalidad de la doll es satisfacer los deseos del cliente que contrata los servicios de la empresa que proporciona estos activos. Al terminar un trabajo, los sujetos regresan al laboratorio en el que viven y se les borra la persona que han emulado ser para regresar al estado base que es dócil, obediente y carente de aprendizaje a través de la experiencia.

Bajo este contexto, aparecen dos personajes, Alpha y Echo, que rompen el estado pasivo de los dolls, aprendiendo a ser conscientes de que son prisioneros en unas instalaciones en las que constantemente les manipulan para ser alguien distinto. Alpha es un doll que pierde el juicio al bajarse los datos de unas cuarenta personalidades en su cerebro, lo cual provoca efectos secundarios como la imposición de uno de los tipos de dentro de su cabeza sobre otros sin que el supuesto líder, Alpha, controle quien aparece en cada momento ni cuándo. Con el tiempo, subsana este problema. Por su parte, Echo, por obra de Alpha, le sucede lo mismo con la única diferencia de que ella es la que decide qué personalidad sale a la superficie y en qué momento. La singularidad de estos personajes reside en que, pese a ser fruto de un experimento científico, aceptan que en su interior existen diferentes personas con toda una vida realizada, lo cual les da una perspectiva más clara sobre cómo actuar para detener a la corporación que rige dollhouse, siendo este el objetivo último de la serie. Dicha tarea se consigue gracias al dominio de Echo de su nueva situación como recipiente de identidades múltiples, lo cual alcanza practicando ejercicios nemotécnicos y fingiendo la obediencia ciega para la que la han programado. Su rareza como doll es lo que le permite avanzar en el camino que derroque a los responsables de la corporación contra la que se lucha en esta ficción televisiva.

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La quinta esencia de Walter Mitty

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The Secret life of Walter MittyLa vida secreta de Walter Mitty (The Secret Life of Walter Mitty, 20th Century Fox, 2013), dirigida y protagonizada por por Ben Stiller, es una adaptación del cuento de título homónimo que James Thurber publicó en el magazine The New Yorker en 1939. El film trata sobre cómo un hombre vive para trabajar sin tener tiempo para nada más. Como empleado de la revista Life, Walter Mitty es el director departamento de negativos, lo cual lo convierte en alguien cuya labor pasa desapercibida por la gran mayoría de sus compañeros. Ante el inminente cierre de la edición impresa de este magazine, él será el encargado de entregarle a su nuevo jefe el negativo número 25 de los que le ha enviado el aclamado fotógrafo Sean O’Connell y que será la portada del último número en papel de la revista. Al no encontrarlo junto a los demás, Walter emprenderá un viaje en busca de este documento porque es su responsabilidad para con Life. Durante este cometido contacta con Cheryl, compañera de trabajo que le atrae, que le animará a encontrar el negativo de la imagen que captará la quinta esencia de la revista.

Walter sueña despierto constantemente para huir de la realidad insustancial en la que vive debido a su trabajo y a que tuvo que empezar en el mundo laboral tras la muerte de su padre, aparcando así sus planes de viajar por el mundo. Los episodios de evasión provocan que desconecte de lo que le rodea. Estas elipsis con el exterior son consecuencia de su sueño reprimido con el que fantasea al pensar que él es un intrépido aventurero que ha estado en todas partes cuando piensa en conquistar el corazón de Cheryl. El recurso de estas escapadas de su cotidianeidad buscan darle un toque cómico a la película que no acaba de cuajar porque al ver cómo Walter se imagina una versión mejorada de sí mismo la risa en el espectador reina por su ausencia a pesar de que Ben Stiller sea un actor con un gran registro humorístico. En su lugar, el personaje al que interpreta se perfila como un hombre al que le hace falta un empujón para ser quien quiere ser. Por ello, este rasgo del personaje no divierte, sino que reflejan lo que a él le hubiera gustado ser. Lee el resto de esta entrada

Las tres Estrellas

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Tres estrellasEstrella brilla con luz propia en su ciudad natal. Este personaje, creado por Belén Carmona, ha protagonizado la novela La Estrella (Ediciones B, 2011), la película La Estrella (2013) de Alberto Aranda y la canción «Mi Estrella» (2013) de Muchachito que están ambientadas en Santa Coloma de Gramanet. Aunque las tres Estrellas han nacido en formatos distintos, transmiten un mismo mensaje. Arropar con su luz las penas propias y las ajenas. Por ello, este lazo que las une resalta entre las diferencias presentes en la obra de Carmona, en el film de Aranda y en el tema de Muchachito.

El libro de Carmona profundiza en la relación entre Baltasar y Estrella a la vez que se contempla el desarrollo del viaje interior que realiza Estrella para aprender a quererse. Durante el camino ella se enamora de Balta que le acompaña en este proceso de transformación, mostrándole cómo vivir con alegría sin que las penas le nublen a uno. El trayecto emocional de la protagonista está marcado por diversas referencias musicales del flamenco, la rumba y el cante hondo que suenan en la emisora local Radio Tele Taxi, cuya presencia en el texto es vital porque la música es la constante en la vida de esta mujer gracias a la cual logra convertirse en alguien más fuerte y decidido.

LA ESTRELLAEn cambio, en el largometraje, donde Ingrid Rubio interpreta a Estrella, el ámbito amoroso de su personaje y su relación con la música son ligeramente distintos, ya que Estrella es la novia de Salva, quien aspira a ascender socialmente lejos de Santa Coloma, mientras que las clases de flamenco a las que asisten Estrella, Trini y Li les enseñan a fortalecer su actitud ante la vida. Aunque tanto las clases como la emisora radiofónica dirigida por Justo Molinero ya aparecen en la obra de Carmona, la primera le gana terreno a la segunda en la cinta de Aranda por su rol como espacio de cohesión social de la ciudad entre recién llegados a la urbe y habitantes que han echado raíces allí. Por ello, este lugar de aprendizaje es un nexo en el que converge la renovación de la personalidad de Estrella con el trasfondo social que se respira en la película. Lee el resto de esta entrada

El valor de la cocina

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Poster ChefCarl Casper, jefe de cocina del restaurante Gauloise (Brentwood, California), y su equipo de cocineros siempre preparan los mismos platos con escasas variaciones a petición del dueño del establecimiento que prefiere mantener guisos que gustan a arriesgarse con algo nuevo. La llegada de Ramsey Michel, un crítico gastronómico de renombre, al Gauloise despertará su interés por innovar en los manjares que cocina y no elaborar la comida habitual para el paladar de tan distinguido cliente. Este es el punto de partida de Chef (Fairview Entertainment, 2014), film dirigido, escrito y protagonizado por Jon Favreau, que se adentra en la crisis del chef Casper en su trabajo, con su familia y en cómo intenta mejorar ambas realidades, sirviéndose de sus dotes culinarias.

Carl Casper firmó un contrato para trabajar como jefe de cocina en el restaurante Gauloise a condición de que su dueño, Riva Rivers, no interviniera en los guisos que él preparase. Ante la visita de Ramsey Michel, el superior de Casper le sugiere que elabore la carta habitual porque ofrecer algo nuevo no sería buena idea aunque esto disgusta al chef. Su descontento crece cuando lee las palabras punzantes que Michel ha publicado en su blog sobre la comida insípida y sin carácter de Casper, lo cual derrumba el estado de ánimo del pinche. Durante la decaída, cuida de su hijo Percy que, debido al trabajo de su padre y que este ya no vive con su madre, apenas puede estar con su progenitor. Casper, lleno de curiosidad, le pregunta a Percy sobre qué es Twitter y cómo funciona porque sus subordinados hablan de ello en los fogones y él no sabe nada de esta red social. Su hijo le hace una cuenta y su padre le manda un tweet al hombre que ha atacado a su amado trabajo, lo cual inicia una discusión entre ambos que culmina con otra degustación en el Gauloise que termina grabada por los comensales y siendo uno de los vídeos más vistos en internet. El chef renuncia a su puesto después de ser herido y humillado por sus dotes culinarias.

Antes su labor gastronómica era aplaudida y ahora se ha transformado en un espejismo de lo que fue. Debe mejorar y regresar a los fogones. Tras hacer unas llamadas, Casper se ve en la tesitura de viajar a Miami con la madre de su hijo para ser el canguro de este y pedirle ayuda al ex marido de su ex mujer que le ofrece un camión de comida destartalado para que él lo convierta en un food truck donde se cocine lo que él decida, siendo él su propio jefe. A esta aventura se une Percy y, posteriormente, Martin que abandona su puesto de segundo chef en el restaurante Gauloise para unirse al proyecto de Casper. Esta nueva etapa se centra en construir un negocio desde cero a la vez que se fortalecen los lazos paternofiliales entre Carl y Percy. El primero le enseña que por muy buen chef que se sea, son necesarias herramientas culinarias e ingredientes para cocinar de buena calidad, ya que de lo contrario la comida resultante pierde valor. Por su parte, el segundo retransmite desde el food truck El Jefe todo lo que allí ocurre para que sea visible en Twitter, lo cual hace que la gente conozca los nuevos platos del chef Casper. Lee el resto de esta entrada