Archivo del Autor: Daniel Marchante

Acerca de Daniel Marchante

Soy escritor, licenciado en Filología Hispánica (UAB) y me apasiona escribir textos de todo tipo. Durante años, he aprendido diferentes maneras de expresión oral y escrita. Con la práctica sigo moldeando mi manera de escribir sobre lo que me impacta en la vida.

Las siete miradas de Sara

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Siete Miradas En Un Mismo Paisaje (Anagrama, 1981, Barcelona), primer libro de cuentos de Esther Tusquets (Barcelona, 1936 – 2012), está compuesto por siete relatos en los que varias niñas y adolescentes llamadas Sara narran su visión de la sociedad elitista de la España de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, los primeros amores a través de miradas ingenuas, inocentes y llenas de convicción hacia lo que estas narradoras creen que es lo correcto. A pesar de que todos los cuentos estén protagonizados por distintas Sara, sus voces se unen en la forma de ver el mundo burgués de posguerra en el que viven y de enfrentarse a él mientras van comprendiendo las ideas que los adultos quieren inculcarles por haber nacido en una familia adinerada.

Los personajes llamados Sara de este compendio de historias breves muestran en su adolescencia o bien una primera experiencia sexual o amor hacia otras personas. En cuanto a las primeras, estas son narradas con cariño y erotismo hacia el sexo sin que este sea percibido por Sara como un acto frívolo ni puramente físico, ya que ellas lo disfrutan. En «Giselle» se refleja cómo Sara siente un placer para ella inesperado al perder su virginidad por un hombre mayor que ella del que no está enamorada mientras que en «He besado tu boca, Yokanaán» el sexo es fruto del amor entre Sara y Ernesto. Por ello, la descripción del rito de iniciación sexual parte en ambos casos de distintos lugares, pero mantienen un lenguaje narrativo lleno de inocencia y delicadeza al tratar el cuerpo de una chica. El afecto que Sara siente hacia Ernesto cobra fuerza porque él pertenece a una clase social más humilde que la de ella. Este cariño que siente ella se palpa en las niñas Sara cuando manifiestan simpatía hacia personas a las que sus familiares consideran inferiores desde su posición de miembros de una oligarquía social.

La candidez de Sara le lleva a relacionarse con estas personas para comprender por qué intentan educarla para congeniar solo con niños y niñas que pertenecen a la alta burguesía como ella. Prueba de este contraste social en el que se palpan la ideología de las dos Españas durante el franquismo se halla en «Los primos» donde la pequeña Sara siente más cariño por su primo Bruno, que se educa en un colegio de curas a la vez que es afín a ideas contrarias al régimen franquista, en lugar de mostrar aprecio por Gabi que, como ella, es hijo de padres partidarios del fascismo. «Exiliados», en un contexto distinto, muestra cómo otra Sara acepta a un niño forastero que la identifica como miembro del pueblo, reafirmando así que ella, sin ser consciente, rechaza las costumbres de la sociedad elitista en la que ha nacido.

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Fairy Tail: análisis arco de Macao

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Fairy Tail (2006 – 2017) es un shōnen creado por Hiro Mashima que narra las aventuras de un gremio de magos llamado Fairy Tail. Este manga empieza con el arco argumental de Macao cuyo nombre hace referencia a uno de los miembros de Fairy Tail que se da por desaparecido al tardar en regresar de un trabajo. Esta primera saga consta de tan sólo tres capítulos en el manga titulados: «Fairy Tail», «¡Aparece el maestro!» y «La salamandra, el mono y el toro». La historia tiene como punto de partida cumplir el sueño que quiere alcanzar Lucy Heartfilia de ser hechicera de Fairy Tail, con lo cual, en ocasiones, ella será una de las voces narrativas que cuenten el devenir de la trama a modo de diario personal junto con un narrador omnisciente. El viaje de esta chica se desarrolla en un mundo ficticio que está repleto de humor, aventuras, magia, combates y una defensa férrea de los valores del gremio de magos que da título a este shōnen que son apoyar a los compañeros y compañeras de Fairy Tail, divertirse con ellos y actuar según lo que uno crea que es lo correcto en cada situación por el bien del gremio.
La trama presenta cómo Lucy conoce a Natsu y Happy siendo este encuentro la base que llevará a la joven hechicera a formar parte del gremio al que anhela unirse. Los tres han viajado a Hargeon por motivos distintos. La primera está comprando objetos mágicos mientras que el segundo comprueba si los rumores sobre la aparición de Salamander son ciertos. El nombre de este mago de fuego les atraerá hacia un estafador que finge ser Salamander. Al ser desenmascarado por Natsu, el verdadero Salamander, Lucy lo invita a comer y ambos comparten con el otro cuál es su meta en la vida. Ella sueña con ser hechicera de un gran gremio mientras que él quiere encontrar a Igneel, un dragón que fue su padre adoptivo para posteriormente desaparecer. Tras el primer encuentro de Lucy, Natsu y Happy, sus caminos se separan para reencontrarse en el barco del timador, cuyo nombre real es Bora, que Natsu señala de nuevo como impostor al afirmar ser miembro de su gremio, siendo esto falso. Esta relevación, tras un combate entre este mago contra Bora sus subordinados, le llevará a Lucy al gremio de magos con el que sueña.
Una vez allí, Fairy Tail se manifiesta como un grupo de hechiceros alegres y que se pelean entre sí de forma amistosa, estando en una juerga perpetua hasta que Makarov, maestro del gremio, consigue con su presencia que vuelva la calma para anunciarles que el consejo mágico es consciente de los desperfectos que causan los magos en su trabajos. Seguidamente, quema con magia de fuego los documentos que contienen esta información y les deja claro a los magos del gremio que cada uno tiene que hacer lo que crea que tiene que hacer. Siguiendo esta máxima, Natsu decide ir en busca de Macao porque su hijo Romeo afirma que su padre ha desaparecido. Teniendo presente su situación con Igneel, el joven mago no duda en viajar al monte Hakobe acompañado de Happy y Lucy donde entre los tres derrotarán a un Vulcano que, finalmente, se revelará como Macao, ya que los monos Vulcano poseen cuerpos humanos. Macao consiguió domar a diecinueve de ellos para que su hijo esté orgulloso de su padre. El número veinte tomó el control de él hasta que los tres hechiceros que fueron a rescatarlo vencieron al monstruo.
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Orgullo cornellanense

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Allenrok (Sony BMG, 26 – 02 – 2008), quinto disco de Estopa, refleja el orgullo cornellanense de los hermanos Muñoz por su ciudad natal, Cornellá de Llobregat, con la elección del nombre invertido de esta para su nuevo trabajo que, a su vez, ofrece la lectura de una castellanización del inglés All in rock, lo cual se vertebra con la omnipresencia del rock & roll en el álbum junto a la rumba, la balada o sonidos experimentales que marcan una degradación musical desde la primera canción hasta la última, logrando así ir de la rumba más estopera a géneros más alejados de lo que ellos suelen tocar. Por otro lado, cabe destacar que este es el primer cedé en el que el dúo cornellanense se embarca como productores musicales del mismo, siendo este hecho un acto de madurez por su parte como artistas. Asimismo, como suele suceder con cada uno de sus discos, el trabajo posee una serie de innovaciones que solo se pueden disfrutar teniéndolo físicamente. La más llamativa es la opción de entrar en el espacio web del sistema Opendisc, el cual permite al usuario descargarse de forma legal y gratuita la maqueta del álbum a la vez que puede disfrutar de vídeos exclusivos de los autores que se visualizaron en su momento primero gracias a la clave que cada cedé llevaba en él. Si bien esta novedad, única en la discografía del dúo de Cornellá, es llamativa, el diseño de la portada y la contraportada configuran un mapa de un Cornellá inverso transformado en una suerte de parque de atracciones con los lugares emblemáticos para David y José Muñoz. Cada rincón de esta extrapolación de Cornellá está señalado en el mapa con doce puntos que corresponden a cada tema, lo cual enriquece aún más el viaje musical que nos transporta a esta ciudad estopera llamada Allenrok.

«Cuando amanece»

Esta pista de audio, primer single del disco, es una declaración de amor del sujeto poético hacia su amada que se siente feliz de que lo primero que vea al despertar sea su rostro, lo cual le lleva a alegrarse por amarla apasionadamente hasta el punto de que el tiempo se detiene al fijarse en su mirada y nada en el mundo importa salvo ella. En cuanto a la parte instrumental, destaca la batería de Angie Bao, la guitarra eléctrica de Ludovico Vagnone y la guitarra española de Juan Maya que enfatizan con un ritmo contundente en el que se mezcla rumba y rock & roll el mensaje de la pieza musical. Esta intención va in crescendo a lo largo de la composición, logrando que hacia el final de la misma se escuche un solo del bajo de Antonio Ramos “Maca” que finaliza con los coros de Chonchi Heredia que acompañan a la voz de David Muñoz en el estribillo del final de la melodía, lo cual recuerda a los coros que hizo la cantante en Estopa.

«Cuerpo triste»

Esta sintonía, segundo single del trabajo, narra las peripecias de un adicto a las drogas, mentiroso compulsivo al que todo el barrio conoce como una causa perdida que, en homenaje a una expresión que la abuela del dúo catalán les decía, se denomina en el sencillo como Cuerpo triste porque de esta manera se cristaliza la actitud de este personaje que, a pesar de que su vicio lo tiene consumido, sigue enganchado a él. En un intento por ayudarle, el sujeto poético invita al bala perdida a su casa para que tenga donde cobijarse y así, quizás, desintoxicarse. Respecto al acompañamiento musical, destaca la batería de Angie Bao, el bajo de Antonio Ramos “Maca”, la percusión de Luis Dulzaides que sirven como base musical para esta canción. A estos sonidos se le suma la guitarra eléctrica de Ludovico Vagnone, los teclados de Nacho Lesco y la guitarra española de Juan Maya, que refuerza el estribillo, que otorgan al tema un sonido a caballo entre la rumba catalana y el rock que le dan un toque alegre al final de la pista de audio. Lee el resto de esta entrada

Descomponiendo Breaking Bad

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Breaking Bad: 530 gramos (de papel) para serieadictos no rehabilitados (VV.AA, Errata Naturae, Madrid, 2013) descompone la serie creada por Vince Gilligan en dieciocho artículos de varios autores distribuidos en cuatro bloques que ahondan en diferentes aspectos de una de las mejores ficciones televisivas de la actual década. El primero, titulado “Introducción al laboratorio”, se realiza una primera aproximación a la serie centrándose en el personaje de Walter White como cocinero de metanfetamina mientras que el segundo, titulado “Las otras formulas de Breaking Bad”, desgrana al personaje de Walter White. Por su parte, el tercer y cuatro bloques, titulados “La composición química del guión y la narrativa seriada” y “La mirada a través del cristal azul”, respectivamente, se centran más en componentes narrativos y audiovisuales de Breaking Bad. La suma de estas cuatro secciones confecciona un análisis exhaustivo de una de las ficciones televisivas más aplaudidas de la última década.

En “Introducción al laboratorio” el artículo «Adversus White. Tres objeciones de amor y una ovación desesperada» de Iván de los Ríos trata sobre cómo en Albuquerque, ciudad de frontera entre Estados Unidos y México, prolifera el negocio de la droga a la vez que existe un sistema sanitario deficiente. El autor contempla estos factores como favorecedores para que Walter White, tras tener frente a frente a la muerte, decida dejar de ser un hombre anodino para convertirse en una persona que cocina metanfetamina azul bajo el pseudónimo de Heisenberg de forma similar a la que sufre el Dr. Jekyll al volverse Mr. Hyde. Esta transformación hacia un ser maligno, según de los Ríos, supone el punto fuerte y débil de la trama aunque cabe la posibilidad de que los vicios de White estuvieran durmientes en su ser y el cáncer simplemente los despertara.

Tanto si este personaje siempre ha sido malvado o no, Greg Littman en «¿Cocinar coloca a Walt en el lado de los ‘malos’?» se plantea si la labor que ejerce Heisenberg repercute en el aumento de consumo de drogas. Sea el producto de la calidad que sea, parece ser que siempre habrá drogadictos, lo cual es un problema cuya solución pasaría por una mayor concienciación social. En «Así hacemos Breaking Bad» Tod Van DerWerf entrevista a Vince Gilligan y este comenta varios aspectos conceptuales de esta serie de televisión como la importancia de que los personajes indiquen hacia dónde va la trama para que esta sea más orgánica o cómo la sutileza es un valor añadido en esta serie, ya que al hacerlo no se le da todo masticado al espectador. Asimismo, destaca, entre otros aspectos, que el orgullo es el gran defecto de Walter White.

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Las voces de Songokumanía: El Big Bang del Manga

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Songokumanía: El Big Bang del Manga (Mamonaku Films, 2012 – 2016) es un documental ideado por Oriol Estrada que está formado por fragmentos de entrevistas a Cels Piñol, autor de Fanhunter; Marc Bernabé, traductor en Daruma Serveis Lingüístics; Óscar Valiente, director de Norma Editorial; Manu Guerrero, product manager de Selecta Visión; Antonio Martín, director editorial de Comics Fórum (1982 – 2000); Pere Olivé, director artístico en el Grupo Planeta (1984 – 2006); Joan Navarro, director general Editores de tebeos; Montserrat Samón, licensing manager Grupo Planeta (1991 – 1999); Chigusa Ogino, agente asociada en Tuttle Mori en 1991 y actual directora; Oleguer Sarsanedas, director de programación de TV3 (1990 – 1996); Ana María Meca, coordinadora editorial de Estudio Fénix; Àlex Samaranch, director general Estudio Fénix y Genís Puig, director del portal web Misión Tokyo.

El contenido del documental es la semilla que llevó a plantearse a Estrada la confección del libro Songokumanía: El big bang del manga (Edicions Xandri, 2016). Los testimonios reunidos en este documento audiovisual generan una polifonía de voces de lo que supuso el inicio del fenómeno social conocido como Songokumanía. Cada uno de ellos narra con ilusión y alegría cómo fue su primera vez con Dragon Ball, en el caso de los fans, o qué línea de sucesos llevaron a la edición de la serie blanca de Dragon Ball por parte de Planeta de Agostini. Tanto esta aventura editorial como el relato épico que se desarrollaba en los televisores de miles de hogares españoles supusieron un punto de inflexión en sus vidas y en la forma en la que se concibe actualmente el manganime. Por ello, el autor de este proyecto defiende que la Songokumanía fue el big bang del manga.

Respecto a la manera de presentar las entrevistas, cabe destacar los títulos de crédito en los que se ve a Oriol Estrada pasear por una playa, probablemente de la comarca El Maresme, para desenterrar de la arena una dragon ball como hicieron Son Goku y sus amigos en incontables ocasiones. Durante el proceso suena la versión japonesa de la canción «Per mars i muntanyes» del grupo catalán Els amics de les arts, la cual está inspirada en la obra estrella de Akira Toriyama. Tras este arranque mágico, dan comienzo los testigos que se pueden ver en el documental. Entre algunas de las intervenciones hay intermedios protagonizados por la voz en off de Estrada que narra momentos clave de la serie, mostrando, a su vez, recortes de prensa de la época sobre el impacto que tuvo Bola de Drac en Cataluña. Este apoyo gráfico enfatiza el discurso sobre el que pivota este vídeo así como ejerce la función de documento histórico en papel sobre lo que los participantes del proyecto cuentan. Entre ellos, resalta la aparición de Montserrat Samón y Chigusa Ogino cuyas anécdotas no se incluían en la primera versión de este documento audiovisual emitida en 2012.

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GLOW: luchando por la igualdad

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Glow (Netflix, 2017) está ambientada en la década de los años ochenta en Estados Unidos. El título de esta serie hace referencia a un show televisivo de lucha libre de mujeres llamado Gorgeous Ladies of Wrestling (GLOW), reivindicando así que este espectáculo de combates no es exclusivo para hombres. Ellas también tienen derecho a pelear en el ring para demostrar que son mucho más que hijas, madres o esposas. Ante todo, son GLOW. Partiendo de la premisa de igualdad entre mujeres y hombres, un director de cine de serie B, Sam Sylvia, convoca un casting en un gimnasio en busca de mujeres poco convencionales que quieran ser las primeras luchadoras de esta nueva modalidad de lucha libre que se emitirá por televisión. De las catorce elegidas, unas están decididas a mostrar que son capaces de ejercer un trabajo que para ellas antes estaba vetado mientras que a otras les atrae más el espectáculo que este formato televisivo lleva consigo. Ambas metas no son posibles sin un entrenamiento físico en los movimientos y las coreografías propios de esta práctica combativa sin los cuales cualquier motivación queda en humo. Todos estos ingredientes van sazonados con canciones de rock & roll de la época que se palpan desde el tráiler de la ficción televisiva hasta los créditos del último capítulo a la vez que la caracterización de personajes y localizaciones nos sumergen de lleno en la década de los ochenta en tierras norteamericanas.

Tres de las mujeres que se embarcan en el proyecto que se va fraguando en esta narración televisiva quieren dejar de estar cosificadas en su vida laboral o personal por personas que creen poder decidir lo que les conviene. Para reivindicarse como personas, cada una de ellas camina hacia delante para lograr su meta gracias al programa televisivo GLOW. La lucha libre les ayuda a ganar cierta independencia respecto a los hombres de su vida. El personaje de Ruth Wilder es donde mejor se representa esta transformación puesto que ella en su carrera como actriz no consigue despuntar en roles de poder que tradicionalmente pertenecen a los hombres. Por ello, formar parte de un equipo de mujeres de lucha libre es un reto que acepta con gusto para ponerse a prueba como profesional. En cambio, Debbie Eagan, también actriz, está satisfecha con ser madre, esposa y representar papeles de poco peso en series hasta que gracias a participar en el show que prepara Sylvia se da cuenta que en el combate físico ella es la dueña de su cuerpo y no su marido. Por su parte, Carmem Wade sueña con seguir los pasos de su padre y sus hermanos en el mundo de la lucha libre profesional lo aprueben ellos o no. Las tres compañeras en el ring se enfrentan a obstáculos para formar parte de un equipo de mujeres que pelean en un terreno de hombres.

El entrenamiento riguroso que siguen para alcanzar la meta deseada pasa por una preparación física diaria en el gimnasio al que asisten bajo la dirección de Cherry Bang que les ayuda a ponerse en forma, se preocupa de que estén comprometidas con el proyecto y de que se centren en él. La elección de una mujer como entrenadora recalca el mensaje feminista que subyace en la historia como parte de la lucha por la igualdad que se lleva a cabo en la trama. Pese a ello, este personaje solo les enseña ejercicios básicos y disciplina en el ejercicio físico, ya que las personas más cercanas al mundo de la lucha libre son los que le transmiten a las mujeres de GLOW coreografías de combate y la importancia de confiar en la compañera del ring sin importar qué tipo de relación existe fuera de él. Para que funcionen las peleas, no solo hace falta un estado físico optimo o conocer algunas llaves de lucha sino que es necesario estar compenetrado con tu contrincante para no hacerse daño y para que el público disfrute del show.

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Soniquete garrapatero

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El soniquete garrapatero de Los Delinqüentes que empezó en su primer disco El sentimiento garrapatero que nos traen las flores, cuya reseña podéis ver en Sentimiento garrapatero, continúa en Arquitectura del aire en la calle (Virgin Records, 2003). El segundo trabajo de la formación jerezana está compuesto por doce canciones que tocan sonidos tan dispersos como baladas, rock y el estilo garrapatero propio de ellos. A su vez, el álbum brilla en letras llenas de alegría, reivindicación, amor y desamor e historias cotidianas de este grupo garrapatero que transmiten en forma de canción. Por ello, este cedé, último publicado en vida de Miguel Ángel Benítez, consolida a Los Delinqüentes como banda.

«Los Delinqüentes y la banda del Ratón»

Esta pieza musical presenta a los músicos que componen esta formación musical. Es decir, Los Delinqüentes y la banda del Ratón que, juntos, forman un grupo de soniquete garrapatero que bebe del rock & roll, come aceitunas de Jaén y reparte alegría con su estilo único e inconfundible. A su vez, en la letra se anima a que los oyentes compren el disco, los visiten en Jerez de la Frontera y, de ese modo, dé comienzo el cedé que acaba de empezar. Por ello, este tema funciona como introducción al sonido garrapatero para invitar al oyente a seguir escuchando las siguientes canciones de esta banda tan singular, alegre y unida. En cuanto a la parte instrumental, esta se inicia con el final del álbum anterior seguida de un pequeño discurso realizado por Manuel Morilla para presentar a Los Delinqüentes y la banda del Ratón. Tras esto, suenan los pitos de Diego Pozo, la trompeta de David Guillén y el trombón de Moisés Fernández que preceden a la voz de Migue Benítez, dándole un arranque musical que recuerda al ritmo de la farándula. Acompañando a la voz de Benítez, destacan la guitarra flamenca de Diego Pozo, la caja de Rafel García ‘Teto’ y los coros de Marcos del Ojo en el estribillo que, unidos, enfatizan el sentido festivo que emana de la letra.

«La niña de la palmera»

Esta pista de audio, primer single, trata sobre cómo el sujeto poético tiene relaciones sexuales con su amada bajo una palmera en la playa de noche a la luz de la luna llena. A su vez, la palmera de la composición musical es una metáfora de la amada. Respecto al arreglo musical, a la voz de Migue Benítez le acompañan los coros de Marcos del Ojo, la guitarra flamenca de Diego Pozo, las palmas de Manuel Morilla, el órgano hammond de Manuel Larregla, el cajón de Rafel García ‘Teto’ que le dan un toque de rumba a esta melodía amorosa. Lee el resto de esta entrada