Archivo del Autor: Daniel Marchante

Acerca de Daniel Marchante

Soy escritor, licenciado en Filología Hispánica (UAB) y me apasiona escribir textos de todo tipo. Durante años, he aprendido diferentes maneras de expresión oral y escrita. Con la práctica sigo moldeando mi manera de escribir sobre lo que me impacta en la vida.

La honra en Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa

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El presente artículo tratará los casos de honra más significativos en Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa. Para ello, se hará una definición del concepto de honra en el siglo XIX. Tras esto, se analizarán las diferentes situaciones de honra que se muestran en cada una de las obras decimonónicas mencionadas para después realizar una escala de valores entre ellas. Honra, decoro, recato y virtud. Estos cuatro términos tuvieron su apogeo en las comedias áureas. En el siglo XIX estos conceptos siguen arraigados en la sociedad y, especialmente, en la opinión que esta tenía de la mujer. La virtud de una dama reside en su castidad y su pureza de espíritu. Si ella se deja llevar por el deseo carnal, será lasciva. Por ello, para no pecar se precisa de prudencia, de temperamento fuerte y de recato. Este vocablo está ligado al de decoro, ya que ambos encierran el mismo significado. El recato es la actitud que una mujer debe de tener para mantener su condición social. Un ejemplo de ello se da cuando una mujer de condición humilde rechaza a un pretendiente de alta cuna. Asimismo, guardar el decoro implica que una mujer no aspire a casarse con alguien cuya escala social sea superior a la suya. Un contraejemplo de ello sucede cuando una criada mantiene una relación íntima con su amo.

Por su parte, la honra es un concepto más profundo pese a estar relacionado con los anteriores. Este término es una idea concebida para determinar la castidad de una mujer. La puesta en duda de este da pie a los casos de honra. Antes de adentrarse en ellos, cabe estipular el papel que la honra juega según el estado civil de una mujer en la sociedad decimonónica. En el siglo XIX, una mujer soltera disponía de dos caminos para subsistir en la sociedad. Por un lado, podía tomar votos religiosos y dedicar su vida a Dios. Por otro, podía casarse con alguien de su misma condición social y asumir el papel de perfecta casada. Cualquier otra elección que tomase, según los convenios sociales de la época, la llevaría a la lujuria, al pecado y a la deshonra. Una vez casada, una dama debía de seguir siendo un ángel del hogar. En caso contrario, esta podía ser víctima del aburrimiento que en última instancia la llevaría al adulterio.

En cuanto a los casos de honra, estos varían según las sospechas y evidencias del mismo. Por ejemplo, se puede creer que una mujer soltera ha mantenido relaciones ilícitas con un hombre. Si esta acusación no se respalda con pruebas, la acusada es inocente y, por ende, conserva su honra. Otro ejemplo se da cuando la sospecha se sustenta con pruebas concluyentes. Estos casos podrían dar dos resultados. Por un lado, una mujer soltera ha mantenido relaciones sexuales con un hombre convirtiéndose en deshonrada. La evidencia que clarifica este hecho es el hijo bastardo de ambos. Por otro lado, una mujer casada tiene un amante sin que su marido lo sepa. Sin embargo, las personas cercanas a la pareja conocen la deshonra de esta. La prueba irrefutable para demostrar esta falta se produce cuando el marido lo descubre. En suma, todos estos casos tienen un denominador común: los hechos. Estos determinarán la inocencia o no de una mujer.

Una vez expuesto el objeto de estudio de este trabajo, cabe sumergirse en las novelas Tormento, La Regenta, Sotileza y Los pazos de Ulloa. Tormento de Benito Pérez Galdós fue publicada en 1884 aunque está ambientada en 1867. Bajo este marco histórico prerrevolucionario, se narra la situación de las hermanas Sánchez Emperador en una sociedad regida por las apariencias. Uno de los ejes de la trama es el enigma que rodea a Amparo Sánchez Emperador y cómo este se va desvelando a lo largo de la obra. Este misterio mostrará el desdibujado pasado de Amparo y el eco de este en el presente narrativo. Así pues, este elemento junto a una serie de factores sociales servirán de ingredientes para tratar la honra en Tormento. Lee el resto de esta entrada

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Verde re-verde, rebelde vuelve

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El verde rebelde vuelve (EMI, 2005), tercer disco de estudio de Los Delinqüentes, supone un punto de inflexión en la carrera de la banda, puesto que es el primer trabajo que no cuenta con Miguel Ángel Benítez como vocalista principal debido a su fallecimiento en julio de 2002. La pérdida del poeta garrapatero, sin embargo, no llena las letras del álbum de tristeza. En su lugar, sus compañeros, la banda del ratón y los cantantes que colaboran en este cedé rinden un afectivo homenaje a Er Migue con la presentación de catorce canciones llenas de personajes peculiares, mensajes optimistas ante las adversidades y la alegría que desprende el grupo jerezano habitualmente en sus temas. Asimismo, en el libreto que acompaña al disco, Diego Pozo y Marcos del Ojo, El Canijo de Jerez, escriben un par de poemas en honor a su compadre que da título al álbum con uno de los apodos con los que sus allegados le recuerdan.

«El show de los rateros garrapateros»

Esta canción es la carta de presentación de este trabajo donde el grupo anuncia que ha llegado para iniciar el show de los rateros garrapateros en referencia al sonido garrapatero que profesan Los Delinqüentes junto a la banda del Ratón. A su vez, indican que son originarios de Jerez de la Frontera y se definen su música como un “ritmo venenoso”. En cuanto a la parte instrumental, destaca la guitarra de Diego Pozo, la batería de Api y los coros de Faé, Teto, José Amosa, Miguel Olmedo y David de la Chica que enfatizan la letra del tema.

«La primavera trompetera»

Esta pista de audio, segundo single del cedé, anuncia la llegada de la primavera que bajo su manto trae regalos para todo el mundo así como alegría. Uno de los presentes es un ventilador que purifica el aire contaminado del invierno y las tristezas. Ante el florecimiento de la primavera, los abrigos vuelven a los armarios, la naturaleza despierta y las mujeres miran con coquetería al sujeto poético que invita al oyente a unirse a su grupo. En esta época de nacimiento se indica cómo los neumáticos de los coches se transforman en calabazas, cómo se reparten pinceles entre las personas que ya no trabajan al regresar este buen tiempo que tanto se celebra en esta pieza musical. Respecto al acompañamiento musical, destaca la guitarra de Diego Pozo, los jaleos de Faé, Morilla y José Amosa, y las palmas de Teto recalcan el aroma festivo que respira esta composición.

«Después»

Esta melodía, primer sencillo de este trabajo, transmite un mensaje optimista ya que incide en tener el valor de salir adelante después de un período de tristeza. Para recuperar los ánimos perdidos, el sujeto poético recomienda estar rodeado de amor que le ayudará a salir del pozo negro en el que se halla ventilando así los aires malos que habitan en él. En cuanto a la parte instrumental, la guitarra flamenca de Diego Pozo, la guitarra eléctrica de Jorge Gómez, las palmas de Teto, la batería de Api otorgan un ritmo contundente en los estribillos y calma en las estrofas que enriquece el significado de la sintonía. A su vez, la colaboración de Bebe supone la primera participación de la voz de una cantante junto a la formación jerezana. Lee el resto de esta entrada

Variantes de las bibliotecas

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Biblioteques insòlites es una exposición que reúne la obra de varios artistas en torno a replantearse la concepción de lo que significa una biblioteca como baluarte del saber. Cada propuesta, que va acompañada de una hoja informativa, expresa una mirada personal que recopila la obra de cada autor emulando una biblioteca o una parte de ella. A su vez, las muestras invitan a apreciar el valor que poseen las distintas visiones personalizadas de la idea estandarizada de biblioteca. Este replanteamiento de un lugar conocido por todos se halla en el nivel 2 de Arts Santa Mònica con los aportes de Antónia del Río, Enric Farrés Durán, Ignasi Aballí, Fernando Bryce, Dora García, Juan Pérez Agirregoikoa, Javier Peñafiel, Alias Editorial, Clara Boj y Diego Díaz además de una sala de reserva como las de las grandes bibliotecas. Las obras expuestas transitan entre partes convencionales de una biblioteca y tintes de contracultura en un recorrido que no dejará a nadie indiferente.

Los archivadores en las bibliotecas han ido desapareciendo gradualmente con la informatización de estas. Antònia del Río rescata este mobiliario que recogía las fichas de los libros que habitan estos templos del conocimiento y en el interior de estos cajones semiabiertos en la exposición se pueden contemplar algunas de las publicaciones de la autora rindiendo así homenaje a la función primigenia de estos objetos, los cuales se transforma en una suerte de biblioteca personal a través de una presentación sencilla cuya riqueza reside en los documentos, en papel o reproducidos en tabletas, que configuran esta biblioteca insólita. Siguiendo esta línea de tomar una parte característica de una biblioteca, Enric Farrés Durán presenta una estantería minimalista repleta de libros colocados al revés y dos sillas de madera, procedentes del Ateneu Barcelonès, que incitan al visitante a sentarse a descubrir al azar las lecturas que el artista ha seleccionado para la biblioteca personal que enseña. En ambos casos, se da una vuelta de tuerca a la idea de biblioteca a partir de pequeñas partes de esta.

En mitad de la sala principal que ocupa Biblioteques insòlites se alza un muro en el que por una cara resalta el mosaico de algunas de las obras de Ignasi Alballí como Rótulos (2017), Listados (1998 – 2007), Prologo – Epilogo (2012), entre otros trabajos. La presentación de estos se caracteriza por la aglomeración o el minimalismo en cada serie de las que están colgadas en la pared cuya visión atrae al público debido a que cada grupo de imágenes despierta cierto grado de extrañamiento como, por ejemplo, la lámina verde donde con letras negras están escritas palabras que contienen este color enfatizando así el verdor de esa imagen de una forma sencilla a la vez que impactante.

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Garcilaso y la poesía nueva

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El presente artículo tratará sobre la culminación de la métrica italianizante en la lírica española gracias a la figura de Garcilaso de la Vega. Previamente, se enmarcará el contexto literario en el que surge esta poética italianizante. Tras esto, se señalarán los cauces poéticos españoles que influenciaron al toledano. Asimismo, se profundizará en cómo asimiló las formas italianas enriqueciendo la poesía española. De este modo, se persigue establecer el progreso de un poeta que logró amalgamar al molde hispánico la nueva poesía renacentista.

En el crepúsculo de la Edad Media, el hombre empieza a sentir que él es la medida de todas las cosas. Este antropocentrismo rompe con el teocentrismo medieval y abre un nuevo período lleno de avances en la sociedad europea. Entre ellos destacan el desembarco en el Nuevo Mundo, las reformas religiosas y la invención de la imprenta. Estos acontecimientos, acompañados de la relectura de los clásicos grecolatinos, forman al hombre moderno. Al salir de las tinieblas del Medievo, el humanista siente que debe renovarse. En respuesta a esta necesidad, en Italia se redescubren a los clásicos para parangonarse a ellos. Acto seguido, los autores españoles emularían a los italianos sumándose al Humanismo, concepto que surgió en el siglo XIX para denominar a los humanistas del siglo XVI. A su vez, estos intelectuales se adoctrinaron en las studia humanitatis (gramática, retorica, poética, historia y filosofía moral). Paralelamente, surge el Renacimiento:

Por renacimiento entiende todo el mundo la resurrección de las ideas y de las formas de la antigüedad clásica. Pero esta resurrección no podía hacerse sino en lo que era compatible con los adelantos y el espíritu de la civilización cristiana, y con el general movimiento de las naciones europeas. Así es que ni la idea ni la forma clásicas renacieron puras y sin mezcla, sino una y otra muy diferentes de lo que en Grecia y en Roma habían sido. No habían venido en balde el cristianismo, las invasiones germánicas y la Edad Media (Menéndez y Pelayo, 1942: 3).

Este renacer ideológico se manifiesta debido al progreso europeo. En el campo de las letras, la crítica aconseja glosar estas terminologías bajo la de Siglo de Oro, puesto que es más económica para referirse a las letras españolas de los siglos XVI y XVII. El concepto de Siglo de Oro procede de la aurea aetas clásica. Este término es empleado para referirse a una época de esplendor que, en el ámbito literario, abarcaría desde la poesía de Garcilaso de la Vega hasta el teatro de Calderón de la Barca (Blecua, 2006:88). En cuanto a la poesía, se retomaron temas clásicos como el bucolismo virgiliano, el amor platónico y la temática mitológica. La Poética de Aristóteles, las Bucólicas de Virgilio y la Metamorfosis de Ovidio fueron los modelos clásicos imitados por el hombre renacentista. Por su parte, Sannazaro, Petrarca, Ariosto o Dante fueron algunos de los modelos italianos que imitarían los autores españoles en el siglo XV.

Garcilaso de la Vega (Toledo, 1501 – Niza, 1536) fue uno de los poetas más ilustres del Siglo de Oro español. Su vida estuvo ligada a las armas y las letras, ya que compaginó su carrera militar con su interés por la poesía. Cursó sus estudios en Toledo hasta que empezó a servir al Emperador en la corte. La llegada de Carlos V a España en 1517 provocó antipatía social que desencadenó en la guerra de las Comunidades. En ella, Garcilaso luchó a favor del Emperador mientras que su hermano, Pedro Laso de la Vega, capitaneó la revuelta. En 1520 Carlos V nombró a Garcilaso de la Vega contino de su guardia. Tras esto, fue nombrado caballero de Santiago en 1523. En 1525 se casó con Elena de Zúñiga y al año siguiente conoció a Isabel Freyre, su amante. Debido a la implicación de Garcilaso en las nupcias de su sobrino el emperador lo destierra a una isla del Danubio (24-03-1532).Una vez libre, se dirigió a Nápoles donde entabló amistad con Pietro Bembo y Bernardo Tasso, entre otros. Entre 1533 – 1534, Garcilaso viajó de Nápoles a España para tratar unos asuntos. En uno de estos viajes supo de la muerte de Isabel Freyre. En 1536, Garcilaso sufrió una herida mortal mientras subía la muralla de Le Muy. Su cuerpo fue enterrado en el monasterio dominico de San Pedro Mártir (De la Vega, 1995: XXV – XL). Lee el resto de esta entrada

Identidad múltiple en Dollhouse y Split

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La identidad múltiple en la serie Dollhouse (2009 – 2010) de Joss Whedon y en el largometraje Split (2017) de M. Night Shyamalan forma parte del corazón de las tramas de las dos obras. Ambas plantean cómo se comporta una persona cuando en su mente habitan varios caracteres distintos. El desarrollo de esta idea diverge en las dos piezas audiovisuales. Pese a ello, se hallan puntos en común como la voluntad por parte del ser receptor de tantas voces por hallar un equilibrio en su cerebro o la encomiable interpretación actoral de los artistas que dan vida a estos individuos únicos. Sin este último ingrediente, la propuesta argumental que plantea la ficción televisiva de Whedon y la película de Shyalaman se desmoronaría.

Dollhouse trata sobre una corporación que actúa de forma ilegal vaciando las mentes de personas a las que previamente se les convence en una dollhouse de que les tratarán para mejorar su estado de ánimo sin especificarles los entresijos de su nueva situación que consiste en olvidar, mediante un proceso tecnológico, quienes eran para después implantarles un individuo base que se conoce como doll o activo. Una vez los sujetos carecen de sus recuerdos son sometidos a un tratamiento a través de aparatos electrónicos en el que se les descarga en su cerebro una personalidad programada con habilidades, recuerdos de toda una vida, idiomas y memoria muscular, entre otras características. La finalidad de la doll es satisfacer los deseos del cliente que contrata los servicios de la empresa que proporciona estos activos. Al terminar un trabajo, los sujetos regresan al laboratorio en el que viven y se les borra la persona que han emulado ser para regresar al estado base que es dócil, obediente y carente de aprendizaje a través de la experiencia.

Bajo este contexto, aparecen dos personajes, Alpha y Echo, que rompen el estado pasivo de los dolls, aprendiendo a ser conscientes de que son prisioneros en unas instalaciones en las que constantemente les manipulan para ser alguien distinto. Alpha es un doll que pierde el juicio al bajarse los datos de unas cuarenta personalidades en su cerebro, lo cual provoca efectos secundarios como la imposición de uno de los tipos de dentro de su cabeza sobre otros sin que el supuesto líder, Alpha, controle quien aparece en cada momento ni cuándo. Con el tiempo, subsana este problema. Por su parte, Echo, por obra de Alpha, le sucede lo mismo con la única diferencia de que ella es la que decide qué personalidad sale a la superficie y en qué momento. La singularidad de estos personajes reside en que, pese a ser fruto de un experimento científico, aceptan que en su interior existen diferentes personas con toda una vida realizada, lo cual les da una perspectiva más clara sobre cómo actuar para detener a la corporación que rige dollhouse, siendo este el objetivo último de la serie. Dicha tarea se consigue gracias al dominio de Echo de su nueva situación como recipiente de identidades múltiples, lo cual alcanza practicando ejercicios nemotécnicos y fingiendo la obediencia ciega para la que la han programado. Su rareza como doll es lo que le permite avanzar en el camino que derroque a los responsables de la corporación contra la que se lucha en esta ficción televisiva.

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Tu nombre será Israel

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Y no me llamaré más Jacob (La isla de Siltolá, Sevilla, 2016), de David Aliaga (Hospitalet de Llobregat, 1989), comprende dieciséis relatos que muestran rituales, viajes por la memoria y la inmersión del autor en el judaísmo en clave de autoficción. Las historias que conforman este compendio de cuentos se presentan con un grado de detallismo riguroso que enfatiza lo que sienten los personajes ante la soledad, el miedo o los recuerdos de lugares que el tiempo ha cambiado. Como ya ocurría en Inercia gris, cuya reseña podéis leer en Murmullo gris, los silencios pesan en algunos textos, ya que al sugerir el devenir de la trama se adivina la aparición de lo monstruoso entre líneas, lo cual viste de intriga a los escritos con gran acierto.

El rol de la conversión de Aliaga en el judaísmo ya se pone de manifiesto en el título de la obra que toma de Génesis 32:29 en el que se rebautiza a Jacob como Israel. La relevancia del cambio de nombre reaparece en «Clases de hebreo» debido a que en el rito de iniciación al judaísmo la persona que acoge este dogma elige un nombre propio que lo distinga como miembro de la comunidad. Los primeros pasos del autor en la nueva religión no solo nos los muestra mediante el poder de la palabra sino también a través de las impresiones que provocan en él rituales como el tefilin, que se presenta minuciosamente en «De triatletas y filacterias», o encender las velas de las lucernarias en Janucá en «Luminarias». En los tres casos los vocablos que pueblan los relatos están repletas de ilusión y cotidianeidad al incorporar estas nuevas costumbres en la rutina del autor que, a su vez, actúa como narrador en un ejercicio de autoficción en el que se desnuda para reivindicar su reciente incorporación al judaísmo. Probablemente, la voluntad de plasmar esta nueva arista en la identidad de Aliaga le lleve a concebir gran parte de los personajes que habitan en el libro como hijos de Israel o personas que en algún momento de sus vidas se relacionaron con el pueblo judío.

Al echar la vista atrás recordamos con cariño lugares en los que fuimos felices. De vuelta al presente, estos espacios en la memoria se han transformado en territorios austeros como le sucede al hogar de Edith Wasserman en «Será peor» o a Tonk al superponer la imagen que evoca de Támpere durante su juventud con la que halla en la vejez en el relato de título homónimo a la ciudad que revisita tras largos años. Este contraste entre el locus amoenus y el locus eremus se yuxtapone en estos dos textos para recalcar la nostalgia que sienten estos personajes hacia un lugar del mundo al que llamaron hogar en algún punto de sus vidas. El reverso de este ejercicio mnemotécnico se vislumbra en las atrocidades en las que participó el miembro de las SS Sebastien Schmelzer cuyos recuerdos va rescatando del olvido la voz narrativa de «Plomo en la mirada» y «Escribir en la memoria» en un intento por reconstruir la figura de su anciano vecino. A modo de detective, el joven que investiga el pasado del soldado va recolocando los recuerdos de infancia en casa del viejo con los testimonios que la historia conserva. Lee el resto de esta entrada

Mito de Pigmalión en Buffy the Vampire Slayer

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El mito de Pigmalión aparece en la serie Buffy the Vampire Slayer (1997 – 2003) a través del personaje Warren Mears y los dos robots con forma de mujer, April y Buffybot, que fabrica. El deseo de un hombre que alcanza su anhelo de tener como compañera a la mujer perfecta hilvana con el empeño de un muchacho en crear a una chica que solo se fije en él. El mito griego se recoge en el libro X de las Metamorfosis (7 d.C.) de Publio Ovidio Nasón (Sulmona, 43 a. C. – Tomis, 17 d. C.) entre los versos 243 – 297 mientras que en la ficción televisiva concebida por Joss Whedon (New York, 1964) la relectura de este relato clásico se da en el episodio quince de la quinta temporada de Buffy titulado «I Was Made to Love You» así como en el capítulo dieciocho de la misma temporada que se llama «Intervention» y en varios momentos de la sexta temporada. El eco de la historia que recoge Ovidio se actualiza en esta ficción televisiva, en la que se recalcan los efectos negativos que provocan las creaciones artificiales de Mears tanto para con él como para las personas que le rodean.

Según el fragmento de las Metamorfosis dedicado al escultor Pigmalión, este, “ofendido por los vicios que numerosos a la mente/ femínea la naturaleza dio” (vv.244 – 245) esculpe en un trozo de mármol una escultura que toma la forma de su versión de la mujer perfecta. Ante la obra de arte que está cincelando, la besa y la toca como si fuera de carne y hueso. La devoción que le profesa a la estatua le lleva a pedirles a los dioses que la figura de marfil que ha concebido sea su esposa. Afrodita cumple con el deseo del escultor convirtiendo en humana la obra que Pigmalión había tallado. Esta transformación termina a modo de final feliz al contraer matrimonio el hombre que da nombre al mito con la mujer sin nombre que acaba de cobrar vida, lo cual es una conclusión edulcorada, debido al trato puramente de objeto de deseo por parte del escultor que, mientras pulía los detalles de la fisonomía de su futura mujer y durante la conversión de esta en un ser vivo, le besa los labios atraído por la belleza que desprende la figura.

El deseo ardiente de Pigmalión, siglos después, se explora en las dos autómatas de Mears. El episodio «I Was Made to Love You» de Buffy the Vampire Slayer ofrece lo que le podría haber sucedido al escultor si hubiera abandonado a la esposa que entre Afrodita y él crearon. En este caso vemos cómo April, la primera robot que funciona de las que realiza Mears, vaga desamparada buscando el amor de su creador al que no ve desde hace tiempo. Al descubrirse que este, tras regresar con su ex – novia, repudia a la autómata que programó para satisfacerlo en sus necesidades se acentúa el sinsentido que supone fabricar un ser artificial programado para ser un esclavo sexual que se arroja a la cuneta como si fuera un muñeco roto. El trato de este inventor a su creación, que toma como base el mito de Pigmalión, no deja de ser un ejemplo más de cómo algunos hombres usan a las mujeres. Mears solo reconoce la existencia de su creación cuando Buffy Summers y sus amigos investigan por qué una autómata está atacando a la gente del pueblo en busca de una persona. De lo contrario, él habría seguido ignorando la responsabilidad para con April.

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