Descomponiendo Breaking Bad

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Breaking Bad: 530 gramos (de papel) para serieadictos no rehabilitados (VV.AA, Errata Naturae, Madrid, 2013) descompone la serie creada por Vince Gilligan en dieciocho artículos de varios autores distribuidos en cuatro bloques que ahondan en diferentes aspectos de una de las mejores ficciones televisivas de la actual década. El primero, titulado “Introducción al laboratorio”, se realiza una primera aproximación a la serie centrándose en el personaje de Walter White como cocinero de metanfetamina mientras que el segundo, titulado “Las otras formulas de Breaking Bad”, desgrana al personaje de Walter White. Por su parte, el tercer y cuatro bloques, titulados “La composición química del guión y la narrativa seriada” y “La mirada a través del cristal azul”, respectivamente, se centran más en componentes narrativos y audiovisuales de Breaking Bad. La suma de estas cuatro secciones confecciona un análisis exhaustivo de una de las ficciones televisivas más aplaudidas de la última década.

En “Introducción al laboratorio” el artículo «Adversus White. Tres objeciones de amor y una ovación desesperada» de Iván de los Ríos trata sobre cómo en Albuquerque, ciudad de frontera entre Estados Unidos y México, prolifera el negocio de la droga a la vez que existe un sistema sanitario deficiente. El autor contempla estos factores como favorecedores para que Walter White, tras tener frente a frente a la muerte, decida dejar de ser un hombre anodino para convertirse en una persona que cocina metanfetamina azul bajo el pseudónimo de Heisenberg de forma similar a la que sufre el Dr. Jekyll al volverse Mr. Hyde. Esta transformación hacia un ser maligno, según de los Ríos, supone el punto fuerte y débil de la trama aunque cabe la posibilidad de que los vicios de White estuvieran durmientes en su ser y el cáncer simplemente los despertara.

Tanto si este personaje siempre ha sido malvado o no, Greg Littman en «¿Cocinar coloca a Walt en el lado de los ‘malos’?» se plantea si la labor que ejerce Heisenberg repercute en el aumento de consumo de drogas. Sea el producto de la calidad que sea, parece ser que siempre habrá drogadictos, lo cual es un problema cuya solución pasaría por una mayor concienciación social. En «Así hacemos Breaking Bad» Tod Van DerWerf entrevista a Vince Gilligan y este comenta varios aspectos conceptuales de esta serie de televisión como la importancia de que los personajes indiquen hacia dónde va la trama para que esta sea más orgánica o cómo la sutileza es un valor añadido en esta serie, ya que al hacerlo no se le da todo masticado al espectador. Asimismo, destaca, entre otros aspectos, que el orgullo es el gran defecto de Walter White.

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Las voces de Songokumanía: El Big Bang del Manga

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Songokumanía: El Big Bang del Manga (Mamonaku Films, 2012 – 2016) es un documental ideado por Oriol Estrada que está formado por fragmentos de entrevistas a Cels Piñol, autor de Fanhunter; Marc Bernabé, traductor en Daruma Serveis Lingüístics; Óscar Valiente, director de Norma Editorial; Manu Guerrero, product manager de Selecta Visión; Antonio Martín, director editorial de Comics Fórum (1982 – 2000); Pere Olivé, director artístico en el Grupo Planeta (1984 – 2006); Joan Navarro, director general Editores de tebeos; Montserrat Samón, licensing manager Grupo Planeta (1991 – 1999); Chigusa Ogino, agente asociada en Tuttle Mori en 1991 y actual directora; Oleguer Sarsanedas, director de programación de TV3 (1990 – 1996); Ana María Meca, coordinadora editorial de Estudio Fénix; Àlex Samaranch, director general Estudio Fénix y Genís Puig, director del portal web Misión Tokyo.

El contenido del documental es la semilla que llevó a plantearse a Estrada la confección del libro Songokumanía: El big bang del manga (Edicions Xandri, 2016). Los testimonios reunidos en este documento audiovisual generan una polifonía de voces de lo que supuso el inicio del fenómeno social conocido como Songokumanía. Cada uno de ellos narra con ilusión y alegría cómo fue su primera vez con Dragon Ball, en el caso de los fans, o qué línea de sucesos llevaron a la edición de la serie blanca de Dragon Ball por parte de Planeta de Agostini. Tanto esta aventura editorial como el relato épico que se desarrollaba en los televisores de miles de hogares españoles supusieron un punto de inflexión en sus vidas y en la forma en la que se concibe actualmente el manganime. Por ello, el autor de este proyecto defiende que la Songokumanía fue el big bang del manga.

Respecto a la manera de presentar las entrevistas, cabe destacar los títulos de crédito en los que se ve a Oriol Estrada pasear por una playa, probablemente de la comarca El Maresme, para desenterrar de la arena una dragon ball como hicieron Son Goku y sus amigos en incontables ocasiones. Durante el proceso suena la versión japonesa de la canción «Per mars i muntanyes» del grupo catalán Els amics de les arts, la cual está inspirada en la obra estrella de Akira Toriyama. Tras este arranque mágico, dan comienzo los testigos que se pueden ver en el documental. Entre algunas de las intervenciones hay intermedios protagonizados por la voz en off de Estrada que narra momentos clave de la serie, mostrando, a su vez, recortes de prensa de la época sobre el impacto que tuvo Bola de Drac en Cataluña. Este apoyo gráfico enfatiza el discurso sobre el que pivota este vídeo así como ejerce la función de documento histórico en papel sobre lo que los participantes del proyecto cuentan. Entre ellos, resalta la aparición de Montserrat Samón y Chigusa Ogino cuyas anécdotas no se incluían en la primera versión de este documento audiovisual emitida en 2012.

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GLOW: luchando por la igualdad

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Glow (Netflix, 2017) está ambientada en la década de los años ochenta en Estados Unidos. El título de esta serie hace referencia a un show televisivo de lucha libre de mujeres llamado Gorgeous Ladies of Wrestling (GLOW), reivindicando así que este espectáculo de combates no es exclusivo para hombres. Ellas también tienen derecho a pelear en el ring para demostrar que son mucho más que hijas, madres o esposas. Ante todo, son GLOW. Partiendo de la premisa de igualdad entre mujeres y hombres, un director de cine de serie B, Sam Sylvia, convoca un casting en un gimnasio en busca de mujeres poco convencionales que quieran ser las primeras luchadoras de esta nueva modalidad de lucha libre que se emitirá por televisión. De las catorce elegidas, unas están decididas a mostrar que son capaces de ejercer un trabajo que para ellas antes estaba vetado mientras que a otras les atrae más el espectáculo que este formato televisivo lleva consigo. Ambas metas no son posibles sin un entrenamiento físico en los movimientos y las coreografías propios de esta práctica combativa sin los cuales cualquier motivación queda en humo. Todos estos ingredientes van sazonados con canciones de rock & roll de la época que se palpan desde el tráiler de la ficción televisiva hasta los créditos del último capítulo a la vez que la caracterización de personajes y localizaciones nos sumergen de lleno en la década de los ochenta en tierras norteamericanas.

Tres de las mujeres que se embarcan en el proyecto que se va fraguando en esta narración televisiva quieren dejar de estar cosificadas en su vida laboral o personal por personas que creen poder decidir lo que les conviene. Para reivindicarse como personas, cada una de ellas camina hacia delante para lograr su meta gracias al programa televisivo GLOW. La lucha libre les ayuda a ganar cierta independencia respecto a los hombres de su vida. El personaje de Ruth Wilder es donde mejor se representa esta transformación puesto que ella en su carrera como actriz no consigue despuntar en roles de poder que tradicionalmente pertenecen a los hombres. Por ello, formar parte de un equipo de mujeres de lucha libre es un reto que acepta con gusto para ponerse a prueba como profesional. En cambio, Debbie Eagan, también actriz, está satisfecha con ser madre, esposa y representar papeles de poco peso en series hasta que gracias a participar en el show que prepara Sylvia se da cuenta que en el combate físico ella es la dueña de su cuerpo y no su marido. Por su parte, Carmem Wade sueña con seguir los pasos de su padre y sus hermanos en el mundo de la lucha libre profesional lo aprueben ellos o no. Las tres compañeras en el ring se enfrentan a obstáculos para formar parte de un equipo de mujeres que pelean en un terreno de hombres.

El entrenamiento riguroso que siguen para alcanzar la meta deseada pasa por una preparación física diaria en el gimnasio al que asisten bajo la dirección de Cherry Bang que les ayuda a ponerse en forma, se preocupa de que estén comprometidas con el proyecto y de que se centren en él. La elección de una mujer como entrenadora recalca el mensaje feminista que subyace en la historia como parte de la lucha por la igualdad que se lleva a cabo en la trama. Pese a ello, este personaje solo les enseña ejercicios básicos y disciplina en el ejercicio físico, ya que las personas más cercanas al mundo de la lucha libre son los que le transmiten a las mujeres de GLOW coreografías de combate y la importancia de confiar en la compañera del ring sin importar qué tipo de relación existe fuera de él. Para que funcionen las peleas, no solo hace falta un estado físico optimo o conocer algunas llaves de lucha sino que es necesario estar compenetrado con tu contrincante para no hacerse daño y para que el público disfrute del show.

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Soniquete garrapatero

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El soniquete garrapatero de Los Delinqüentes que empezó en su primer disco El sentimiento garrapatero que nos traen las flores, cuya reseña podéis ver en Sentimiento garrapatero, continúa en Arquitectura del aire en la calle (Virgin Records, 2003). El segundo trabajo de la formación jerezana está compuesto por doce canciones que tocan sonidos tan dispersos como baladas, rock y el estilo garrapatero propio de ellos. A su vez, el álbum brilla en letras llenas de alegría, reivindicación, amor y desamor e historias cotidianas de este grupo garrapatero que transmiten en forma de canción. Por ello, este cedé, último publicado en vida de Miguel Ángel Benítez, consolida a Los Delinqüentes como banda.

«Los Delinqüentes y la banda del Ratón»

Esta pieza musical presenta a los músicos que componen esta formación musical. Es decir, Los Delinqüentes y la banda del Ratón que, juntos, forman un grupo de soniquete garrapatero que bebe del rock & roll, come aceitunas de Jaén y reparte alegría con su estilo único e inconfundible. A su vez, en la letra se anima a que los oyentes compren el disco, los visiten en Jerez de la Frontera y, de ese modo, dé comienzo el cedé que acaba de empezar. Por ello, este tema funciona como introducción al sonido garrapatero para invitar al oyente a seguir escuchando las siguientes canciones de esta banda tan singular, alegre y unida. En cuanto a la parte instrumental, esta se inicia con el final del álbum anterior seguida de un pequeño discurso realizado por Manuel Morilla para presentar a Los Delinqüentes y la banda del Ratón. Tras esto, suenan los pitos de Diego Pozo, la trompeta de David Guillén y el trombón de Moisés Fernández que preceden a la voz de Migue Benítez, dándole un arranque musical que recuerda al ritmo de la farándula. Acompañando a la voz de Benítez, destacan la guitarra flamenca de Diego Pozo, la caja de Rafel García ‘Teto’ y los coros de Marcos del Ojo en el estribillo que, unidos, enfatizan el sentido festivo que emana de la letra.

«La niña de la palmera»

Esta pista de audio, primer single, trata sobre cómo el sujeto poético tiene relaciones sexuales con su amada bajo una palmera en la playa de noche a la luz de la luna llena. A su vez, la palmera de la composición musical es una metáfora de la amada. Respecto al arreglo musical, a la voz de Migue Benítez le acompañan los coros de Marcos del Ojo, la guitarra flamenca de Diego Pozo, las palmas de Manuel Morilla, el órgano hammond de Manuel Larregla, el cajón de Rafel García ‘Teto’ que le dan un toque de rumba a esta melodía amorosa. Lee el resto de esta entrada

Morfina: casos de un médico rural

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morfinaMijaíl Bulgákov (Kiev, 1891 – Moscú, 1940) en los relatos que se recogen en Morfina (Anagrama, 2002) narra las vivencias de un médico inexperto que al acabar la carrera es destinado a un hospital de provincias donde tendrá que hacer frente a dolencias variadas de sus pacientes, inclemencias meteorológicas e incredulidad ante la medicina por parte de los campesinos a los que el doctor protagonista de los textos atiende. Cada cuento se centra en un caso singular con el que tiene que lidiar el médico joven a cualquier hora del día sin que el clima extremo de la región rusa en la que se ubican estas historias se lo impida. Según indica esta edición de este compendio de relatos, este volumen de cuentos corresponde a la obra «Notas de un médico joven» que están basadas en casos reales que afrontó el autor cuando trabaja como doctor en una zona rural de Smolensk.

Los conocimientos sobre medicina del autor se plasman en el detallismo narrativo presente en los cuentos, ya que en ellos este rasgo enfatiza los pequeños detalles que enriquecen las historias que protagoniza el doctor joven en su estancia en un hospital de campo. A su vez, cada vez que se trata una enfermedad, la voz narrativa de cada relato recrean lo que sucedería si dejara morir a sus pacientes de las dolencias supuestamente insalvables que padecen o bien si existe una posibilidad remota de mantenerlos con vida. Esta inseguridad en sí mismo que posee el médico inexperto es contradictoria con el tratamiento eficaz que les proporciona a los enfermos, lo cual puede indicar una falta de voluntad en él para ejercer su profesión. Un claro ejemplo de este dilema interno se halla en «La garganta de acero». Por otro lado, cada vez que ejecuta una operación, cura o tratamiento esta se describe con tal precisión que se palpa en el texto la tensión, los nervios o el alivio del doctor imberbe cada vez que tiene que actuar.

Por su parte, los campesinos, desconocedores de la medicina moderna, se muestran escépticos ante las recomendaciones del nuevo médico de su hospital a la vez que alaban la labor de su predecesor que sí los entendía. Esta desconfianza, se debe a que aún no se han acostumbrado a su nuevo doctor y a que, en la mayoría de los casos, pesa en ellos una gran fe en los saberes populares y las supersticiones, lo cual dificulta aún más el papel del médico. La historia en la que el enfrentamiento entre ciencia vs. fe cobra mayor fuerza es en «Un ojo desaparecido» done la madre del niño que tiene un ojo tapado se niega a que lo operen, ya que ella cree que su pequeño sanará sin la intervención del doctor. Lee el resto de esta entrada

The Wire: Escuchando a Baltimore

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The Wire (HBO, 2002 – 2008) está escuchando a Baltimore en sus cinco temporadas de duración. A través de las escuchas policiales que un grupo de agentes de la ley efectúa sobre una banda de narcotraficantes de Baltimore, se asienta así la base mostrar en cada temporada el latido de la ciudad a través del negocio de la droga, la crisis de estibadores en el puerto de la ciudad, los entresijos de la política local, el estado de la educación y el de la prensa. El ensayo The Wire: 10 dosis de la mejor serie de la televisión (VV.AA, Errata Naturae, Madrid, 2010) reúne una serie de textos de varios autores que profundizan en aspectos de esta ficción televisiva, creada por David Simon, como el proceso que llevó a la concepción de la serie por parte de Simon, la ciudad de Baltimore como protagonista de la trama, el ritmo narrativo de The Wire y la huella de lo real en las historias que conforman esta ficción televisiva.

Esta pieza ensayística comienza con una «Introducción» de David Simon en la que él cuenta cómo se fue fraguando la concepción de la serie  durante varios años. En primer lugar, critica el modelo televisivo en el que prima el patrocinio de anuncios publicitarios ante el contenido narrativo de un serial televisivo, lo cual va en contra de su idea de ficción televisiva. Tras esto, recalca que The Wire, pese a basarse en el género criminal, trata sobre la sociedad olvidada de Baltimore a raíz de la antesala de lo que sería la crisis económica de 2008. Por ello, a través de cinco temporadas refleja la cotidianeidad del mundo del narcotráfico en la periferia de Baltimore, el cierre de puestos de trabajo de estibadores que arruinan a la clase trabajadora que antaño fue la envidia de la nación, los artificios de la clase política local, el mal estado de la educación y, por último, la decadencia de la prensa que acaba en manos de grandes multinacionales. Estos focos de atención sobre Baltimore, a pesar de su importancia, no dejan de constatar que la ciudad es el eje narrativo sobre el que gira esta ficción televisiva. Por otro lado, Simon explica de forma detallada cómo se formó el equipo creativo que acabaría fraguando The Wire.

Cuando Nick Hornby entrevista a David Simon en «David Simon entrevistado por Nick Hornby», se retoma el proceso que le llevó a Simon a fraguar esta serie a la vez que cuenta anécdotas de las crispaciones y alabanzas que recibió la serie desde sus inicios hasta prácticamente el final de la misma. Uno de los aspectos rompedores fue el trato del tiempo narrativo que desmenuza Rodrigo Fresán en «Baltimore Time». En este artículo se explica cómo el tiempo narrativo de esta serie se asemeja al tiempo real que refleja la trama de la ficción televisiva, lo cual irrumpe con el habitual timing televisivo que, normalmente, aboga por dar respuestas a los espectadores en pocos episodios o mostrar a los investigadores en plena acción. En lugar de usar esta fórmula habitual, se prefiere poner el foco, según Fresán, en el empleo de los distintos profesionales que pueblan esta narración televisiva enfatizando cómo estos trabajos son laboriosos, lentos y sin garantáis de éxito. Asimismo, se destaca el acierto de elegir una metrópoli como Baltimore, ya que se aleja de los escenarios de rodaje habituales como pueden ser Los Ángeles o New York. Lee el resto de esta entrada

Lo que pudo haber sido de Asuntos internos

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Asuntos internos (Sony, 2002) fue el único disco del cantautor valenciano Juan Benito que retomó su carrera musical en 2015 con el single «Germenofobia». Su álbum debut se caracteriza en que sus temas cuentan historias de desamor ambientadas, en su mayoría, en espacios nocturnos como bares o discotecas. A su vez, el sonido pop-rock que impregna las doce canciones que componen Asuntos internos enriquecen las letras compuestas por el músico valenciano. Pese a ello, durante trece años hubo un silencio en torno al artista, ya que no salió a la luz pública ningún tema cedé o concierto con el que disfrutar, haciendo que todo el que prueba las canciones de Juan Benito se pregunte qué pudo haber sido de él o si el fenómeno Operación Triunfo provocó que cantautores como él se convirtieran en un murmullo dentro del panorama musical español.

«La reina del bulevar»

Esta melodía, primer single del disco, trata sobre el deseo desenfrenado que siente el sujeto poético hacia la camarera de un bar, que gana dinero extra exhibiendo su cuerpo desnudo, a la que él apoda como la reina del bulevar debido a lo hipnotizado que está por sus encantos. Este enamoramiento provoca que él quiera arreglarle los papeles para obtener la nacionalidad y un trabajo más respetable. Por su parte, ella se muestra reticente alegando que en lugar de lanzarle promesas cante para que su manager no sospeche nada. En cuanto a la parte instrumental, la pista de audio empieza con la batería de Salva Ortiz, la guitarra eléctrica de Paco Garnelo y los teclados de Jordi Muñoz que le dan un sonido pop-rock a la pieza musical. Tras esto, predomina la trompeta de David Pastor en el estribillo que aporta un toque de blues que fortalece la letra de la sintonía.

«7 noches»

Esta composición musical relata las andanzas de un mujeriego que rompe su rutina cuando pasa una semana frenética disfrutando de cada noche con una mujer que le da su propia medicina acompañada de caladas de porros. Respecto al acompañamiento musical, destacan la guitarra eléctrica de Paco Garnelo, la percusión de Vicente Peiró y la batería de Salva Ortiz que le dan a la canción un toque puramente roquero que mantiene el mismo ritmo templado durante toda la melodía. Lee el resto de esta entrada