Toriyama, Akira

Akira Toriyama (1955 – 2024) ha fallecido. Leer y escribir esta frase duele. El autor de obras icónicas como Dragon Ball o Dr.Slump ya no está entre nosotros. La noticia salió a la luz el pasado ocho de marzo. El maestro nos dejó una semana antes. Sin embargo, la familia optó por mantenerlo en secreto y darle una sepultura en la intimidad, lejos del foco público. Toriyama murió como vivió. Sin estridencias. Para muchas personas, su pérdida no es solo la de un artista popular. Muchos crecimos, reímos, lloramos y vivimos con la huella que sus mangas han dejado en nuestro ADN. Conocido internacionalmente por ser el padre de Son Goku y Arale Norimaki, ha publicado piezas gráficas, quizás menos conocidas, pero no menos importantes. Cowa!, Kajika, Nekomajin, Sand Land o Kintoki son, entre otros, los hijos de Toriyama. Él ya no está entre nosotros. Su legado, en cambio, vivirá durante décadas.

Dentro y fuera de Japón, ha inspirado a artistas de toda índole. Mangakas, ilustradores, cantantes, escritores, editores, traductores, distribuidores de productos audiovisuales, y especialistas en cultura japonesa. Bien. Él es autor de cómics japoneses. En sus obras se palpa el humor absurdo que le caracteriza, aventuras, acción y diseños de personajes bizarros. Todo ello ha llegado a personas de todo el planeta. Estas, a su vez, le han transmitido su amor hacia la obra de Toriyama a sus hijos y estos a los suyos. Así sigue siendo hoy en día. Porque sus personajes son atemporales. Los inventos estrafalarios de Sembei Norimaki causaron sensación en los ochenta y siguen impactando ahora. Lo mismo ocurre con su manga más conocido a lo largo y ancho del mundo. Dragon Ball. Algunas personas pasamos de ser niños o niñas que se quedaban embobados delante de la tele mirando cómo Mutenroshi, de repente, obtenía unos músculos increíbles para realizar un Kame Hame Ha a generar contenido sobre ello.

En español, en catalán, en inglés, en gallego, en euskera, en valenciano, en francés, en alemán, etc. En incontables idiomas. Todo el mundo ha vibrado con la obra de Toriyama. Algunos hoy se dedican profesionalmente a trabajos relacionados con la cultura japonesa. Niños que iban al colegio comentándoles a los amigos el episodio de Dr. Slump o Dragon Ball del día, ahora traducen estas obras, las editan, las publican en VHS, DVD, Blu-Ray, cine, plataformas de streaming. Ellos y ellas fueron pequeños que soñaban con volar en Kinton o descojonarse con las acrobacias de Suprunaman. Seguro que conoces a alguien que te diga: “Gracias a Toriyama, soy la persona que soy”. Tú o algún conocido. Porque pasa.

Las voces de nuestra infancia GT

La sèrie de la teva vida GT (Autoedición, 2021) es la tercera entrega de la colección de obras que comenzó con La sèrie de la teva vida (autoedición, 2012) y La sèrie de la teva vida Z (autoedición, 2019). Este nuevo cómic vuelve a contar con la autoría de Marc Zanni, Carles Lladó, Joan Sanz, DAC y Magori Art. A diferencia de su predecesor, es más extenso. Este tebeo rebosa en humor, referencias culturales y picaresca. La estructura de esta narración gráfica se compone de una trama principal que recuerda a las películas de carretera e historias intercaladas donde se cuentan anécdotas de todo tipo. Los singulares individuos que aparecen en ellas no dejarán a nadie indiferente. La unión de arte y comicidad se dan la mano de nuevo.

La portada en sí misma ya denota qué grado de detallismo hallaremos entre viñeta y viñeta. Dicha imagen está diseñada emulando la primera edición tankōbon de mangas de Dragon Ball. En la parte superior se menciona a la editorial ficticia Planeta Namek Còmics, acompañada del rostro de Mr. Popo, en homenaje al sello editorial Planeta Cómic. En la zona inferior, por su parte, aparecen las autoras de la ilustración principal, Katami Studio, y de los dos ilustradores que han gestado el cómic, DAC y Magori Art. Todos ellos con sus respectivos logos. Los otros tres autores se les menciona sobre el dibujo central.

El nombre de este tebeo es un guiño al de Dragon Ball GT tanto en las dos letras finales como en su diseño. Los tres actores de doblaje que narran sus aventuras y desventuras en la profesión aparecen subidos en un automóvil. Dicho vehículo parece estar inspirado en el Volkswagen Tipo 1, escarabajo, descapotable. Es un modelo similar al que conduce el doctor Hiroshi Agasa de Detective Conan. El atuendo de los tres ocupantes del coche alude a los personajes más conocidos a los que han prestado voz. Lladó va vestido con uno de los atuendos que Monkey D. Luffy de One Piece en Dressrosa, Sanz lleva la ropa de Vegeta al inicio de la saga de Cell y a Zanni le han puesto la indumentaria de Son Goku del capítulo 125 de Dragon Ball Z «Menkyo Kaiden? Goku no Aratanaru Siren». Los tres se adentran en una jungla rumbo a lo desconocido.

Travestismo en I My Me! Strawberry Eggs y One Piece

El travestismo en el anime I My Me! Strawberry Eggs (TNK, Yūji Yamaguchi, 2001) y en el manga One Piece (Eiichiro Oda, 1999 – presente) funcionan como seña de identidad de algunos personajes que por distintos motivos llevan ropa que normalmente va a asociada al género opuesto. Esta caracterización, asimismo, les ayuda a librarse de prejuicios contra el otro sexo binario, lo cual se traduce en personas más tolerantes con los individuos que se salen de las normas establecidas por la sociedad en cuanto a la vestimenta propia de cada género. Por ello, el travestismo en las dos obras pone en práctica la expresión popular de ponerse en los zapatos del otro para comprenderlo mejor libres de cualquier tipo de ideas preconcebidas.

Hibiki Amawa, protagonista de I My Me! Strawberry Eggs, sueña con enseñar educación física. Al ser entrevistado en la escuela privada Seito Sannomiya, lo rechazan por ser hombre. Cuando su casera, Lulu Sanjo, observa la determinación del joven, esta decide ayudarlo dándole la idea de hacerse pasar por una mujer. Además de travestirlo le da un collar que le cambia la voz de forma que la transformación sea lo más creíble posible y lo prepara para que actúe como una mujer en todo momento. Como profesora, la aceptan. A partir de este punto, Hibiki lleva a cabo su objetivo en la vida mientras que por el camino va fomentando la igualdad entre alumnos y alumnas, ya que el centro docente en el que trabaja se rige por una educación conservadora que alaba el papel de la mujer y repudia el del hombre. La nueva docente, por su parte, va inculcando a sus estudiantes los valores del deporte. Como persona travestida, la nueva identidad que adopta se va incorporando a la anterior dando como resultado alguien distinto. Sin embargo, este anime no termina de profundizar en este aspecto dada su brevedad y poco desarrollo del travestismo que solo se plantea como un medio para un fin.

Las voces de nuestra infancia Z

Las voces de nuestra infancia Z ya protagonizaron el ensayo La sèrie de la teva vida (autoedición, 2012) de Marc Zanni y Joan Sanz cuya reseña podéis leer en Les veus de la nostra infantesa. La semilla que germinó del compendio de anécdotas del doblaje por parte de los profesionales del doblaje que han interpretado, entre otros personajes, a Son Goku y Vegeta en catalán, respectivamente, ha dado como fruto un cómic en el que este dúo une fuerzas con el actor de doblaje Carles Lladó y los dibujantes DAC y Magori Art para crear una secuela del libro que acercó el mundo del doblaje a miles de fans del anime en catalán. Siete años después, nace La sèrie de la teva vida Z (autoedición, 2019). Este tebeo, cuya portada está ilustrada por Tamara y Miriam Reyes (Xau & Chu), retoma la esencia de su predecesor incluyendo historias sobre el doblaje a la vez que se le suman sucesos estrambóticos que están basados en hechos reales y que les han ido ocurriendo a cada uno de los cinco autores de esta obra en estudios de doblaje, salones del manga o en el camino hacia estos lugares. Humor a raudales, personajes esperpénticos y guiños al manganime dan como resultado un tebeo hilarante que respira cariño hacia los seguidores de los artistas que lo han concebido.

La sèrie de la teva vida Z presenta una estructura meticulosa con la finalidad de que a nadie se le escape ningún detalle de los muchos que pueblan las viñetas de este cómic. La portada ya lo prueba. En ella se ven a Carles Lladó, Marc Zanni y Joan Sanz con un atuendo que mezcla su vestimenta habitual con la de sus tres personajes más queridos: Monkey D. Luffy, Son Goku y Vegeta. Al abrir el tebeo se ha dedicado un apartado para las dedicatorias de los autores del mismo al lector, teniendo cada ejemplar un toque personalizado. Cada una de las historias indica quién las narra con un dibujo del rostro de esa persona, la historieta en particular ilustrada por DAC o Magori y una sección de curiosidades en las que se especifican las referencias culturales escondidas entre viñetas. De esa forma, cualquier lector puede disfrutar de cada detalle de cada anécdota. A su vez, se incluye un prólogo, una guía de personajes recurrentes entre las páginas de la secuela de La sèrie de la teva vida y al final un apartado de fan-arts de artistas y un cuestionario muy especial.

En los encuentros otakus los autores de esta obra suelen estar en un estand saludando a la gente que pase a verlos, firmando merchandising, vendiéndolo y escuchando a todas las personas que pasen por allí. Ellos siempre hallan unos minutos para cada uno de sus admiradores. Algunas de las anécdotas de este libro ilustrado muestran la cara más estrafalaria de personas que en estos siete años han ido a verles con peticiones singulares. Cuando Zanni o Sanz han dado charlas sobre el doblaje en este tipo de eventos han relatado alguna de estas historias remarcables. Sin embargo, gracias a la combinación de las palabras de los tres actores de doblaje y a las manos de los dos dibujantes se obtiene una imagen más clara y divertida de estos momentos que, en ocasiones, han sorprendido a sus protagonistas. A modo de ejemplo, destaca la forma en que se narra la aparición de Pedro El Petacas en uno de los salones del manga. Esta anécdota, narrada por Zanni, probablemente esté ilustrada por Magori. La fisionomía particular del personaje, inspirada en el Green Ranger, le da un toque de comicidad que alcanza la carcajada cuando aparece un vehículo inspirado en el Dragonzord de este Power Ranger con el clásico de El Fary «Torito guapo» sonando en el vehículo.

One Piece en 20 frases

El anime de One Piece cumple veinte años en el día de hoy con más de novecientos episodios emitidos en Japón. La búsqueda del gran tesoro que dejó el rey de los piratas, Gold D. Roger, inspira a Monkey D. Luffy a navegar por los mares, formar la tripulación de los piratas de Sombrero de paja, derrotar a todos los rivales que se encuentre por el camino y establecer alianzas con personas de todo el mundo. Si bien la adaptación del manga a anime por Toei Animation no sigue siempre el orden del cómic nipón y añade arcos narrativos de relleno, mantiene el espíritu aventurero de la obra de Eiichiro  Oda que tras dos décadas continúa navegando hacia el sueño de Luffy y de su banda. ¡Leven anclas! ¡Icen velas! Empieza la travesía por One Piece en veinte frases.

1. ¡Yo seré el rey de los piratas! (One Piece, episodio 1)

Aunque el anime no empiece en el mismo punto que el manga, se nos presenta al pirata Monkey D. Luffy saliendo de un barril en el barco de la pirata Alvida. Al liberarse de su encierro, pelea contra los miembros de esta tripulación pirata y conoce al asustadizo Koby. Él es el primer personaje que escucha por boca de Luffy que su sueño es convertirse en el rey de los piratas. Este título para Luffy no es sinónimo de grandeza ni riqueza. Para él, ser el rey de los piratas equivale a ser la persona más libre de todos los mares. El muchacho miedoso, que espeta mil peros a las declaraciones del polizonte, no da crédito a quien acaba de conocer. El futuro capitán de la banda pirata de Sombrero de paja inspira valor al temeroso chico cuyo sueño es enrolarse en la Marina, la enemiga natural de los piratas. Pese a perseguir metas opuestas, la amistad entre los dos jóvenes brota enseguida.

2. ¡No volveré a perder nunca más! (One Piece, episodio 24)

Roronoa Zoro, primera incorporación a la tripulación pirata de Sombrero de paja, quiere ser el mejor espadachín del mundo. Este título lo ostenta Dracule Mihawk quien aparece delante del restaurante flotante Baratie cuando Luffy y Zoro pasan por allí. A pesar de que Zoro haya obtenido fama como espadachín en el East Blue, no es rival para la persona que ostenta ser el número uno. El duelo entre el compañero de Luffy y Mihawk termina con el aspirante al título medio muerto tras ser derrotado. Antes de perder el conocimiento le promete a su capitán que jamás volverá a perder. Mihawk, como acto de respeto hacia el joven que acaba de vencer, le dice que recordará su nombre.

Viaje a tierras manganime

Una atractiva exposición de turismo manganime, titulada Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime, se puede visitar del diez de abril al nueve de mayo en la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra conjuntamente con otra llamada Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. La segunda de estas muestras recoge material único de varios mangas mientras que la primera, que ocupa más espacio en la biblioteca, recorre las localizaciones reales en las que se ha inspirado la geografía de obras como Rurouni Kenshin, Shin Chan, Ranma ½, Love Hina, películas de Studio Ghibli, etc. Fotografías, mapas, merchandising y maquetas a pequeña escala de construcciones arquitectónicas japonesas configuran el recorrido por el que se transita al contemplar esta exposición. Acompañadme en este viaje a las tierras en las que habita el manganime.

Tras las puertas de la biblioteca Ignasi Iglésias – Can Fabra se puede caminar por cualquiera de las dos muestras que esta alberga en el orden en que el visitante desee. La más cercana es, a su vez, la más efímera. Se trata de Micro Jump-Toei Exhibition: els objectes més desitjats dels fans. En ella los ojos del otaku brillan de emoción debido a réplicas autentificadas por Bird Studio y Toei Animation de páginas de cómic japonés, cels y gengas así como merchandising de toda clase. En las paredes de la exposición destacan copias autentificadas de mangas como Rurouni Kenshin, Yu Yu Hakusho, Dr. Slump o Dragon Ball. Los fans de estos shōnens disfrutarán ante la batalla entre Shishio y Kenshin, el dragón de llamas negras de Hiei o varias instantáneas de las peleas de Goku. Por otro lado, en dos mesas cubiertas por cristales protectores hay esparcidas piezas de coleccionismo de las obras mencionadas anteriormente junto con material en donde aparecen personajes de Captain Tsubasa, Kinnikuman además de los personajes de los cómics japoneses anteriores.

Seguint les petjades dels nostres herois i heroïnes: el turisme del manga i l’anime da la bienvenida al público con un torii detrás del cual nos introducimos en una sala donde haremos turismos a través del mundo manganime en tres localizaciones: Japón contemporáneo, Japón feudal y espacios europeos. Iniciando el trayecto en el país del sol naciente, la primera parada es Tama que es la ciudad en la que se desarrolla el film Susurros del corazón (Yoshifumi Kondō, Studio Ghibli, 1995). En la pared de la exposición cuelgan carteles informativos que describen los rincones reales por los que pasean los personajes de películas y series de animación japonesa. En el caso de la población de esta región de Kanto vemos imágenes comparativas entre los espacios por los que transitan Shizuku Tsukishima y Seiji Amasawa con los reales. Acompañando estas instantáneas se adjunta un mapa que reúne puntos del Tama ficticio, logrando así que el visitante recorra cada recoveco de la población que aparece en este largometraje de Studio Ghibli. El mismo método se repite en los sucesivos puntos del viaje turístico por mangas y animes emblemáticos.

Espíritu otaku en Barcelona

Hay cuatro días en el calendario que miles de otakus esperan con ilusión, con nervios y con alguna que otra mariposa revoloteando en su estómago. Hay cuatro fechas señaladas para las que ahorran, para las que emprenden un viaje desde tierras lejanas o desde la calle de enfrente. No importa de donde vengan ni de donde sean porque todos ellos durante ese corto período de tiempo se unirán al espíritu otaku del Salón del Manga de Barcelona. La presente edición (29-10-2015 – 01-11-2015), celebrada en el recinto de Fira Montjuïc, contaba con 60.000 m², multitud de exposiciones, cosplays, conciertos y muchas más manifestaciones de la cultura japonesa. Cruzar la entrada del lugar era para los visitantes como el país de las maravillas que se halla al otro lado del espejo.

Lo primero que se observa al acceder a este espacio es la plaza Univers donde se encuentra un escenario cubierto con una carpa para protegerlo en caso de lluvia. En el tablado se celebraron concursos de cosplays y conciertos como el de la banda musical japonesa Love Tamburin que se realizó el domingo 1 de noviembre de tres a cuatro de la tarde. Uno de los temas que tocaron fue una cover de «We are!» de Hiroshi Kitdani que es mundialmente conocida por ser la melodía elegida para el primer opening del anime de One Piece. Durante toda la función, el público coreó al unísono el repertorio que interpretó el grupo nipón, causando emoción al cantar la pieza musical de la serie que más éxito tiene ahora mismo en Japón. Estar allí entre los fans de la animación japonesa que vibraban con los espectáculos que se celebraron en aquel entoldado prueba cómo a partir de la animación japonesa se puede percibir el sentimiento que emana de la música del país del sol naciente aunque no se sepa japonés.

A mano derecha de esta carpa, se abrió por primera vez en la Historia de esta meca del manga el palacio 4 donde se ubicaba Star Wars Japan que estaba formada por una extensa exposición sobre Star Wars y su relación con Japón. En la muestra había figuras de personajes emblemáticos de la saga galáctica que estaban colocados en vitrinas como C-3PO, R2-D2, Darth Vader, etc. así como sables de luz en miniatura de color verde, azul, rojo y violeta. Otra singularidad que había en este espacio dedicado a la saga cinematográfica iniciada por George Lucas era un photocall estelar que incluía un modelo de moto jet 74-Z a escala y un mural de los árboles de la luna boscosa donde habitan los ewoks. Otros artículos que se podían contemplar a tamaño real eran la cabeza del androide C-3P0, dos cascos de soldados clon y una reproducción de un busto de un soldado de la Alianza Rebelde.

Venganza y secuestro

Cuando alguien no acepta una derrota, guarda rencor hacia el ganador y, a veces, este se transmite a las nuevas generaciones como sucede en la película Dragon Ball Z ¡Devuélvanme a Gohan! (Doragon Bōru Zetto: Ora no Gohan o Kaese!!, Daisuke Nishio, Toei Animation, 1989) que inicia la etapa Z de la franquicia Dragon Ball. En ella, Son Goku, ya casado con Chi-Chi, es padre de Son Gohan que lleva un sombrero con la dragon ball de cuatro estrellas que había pertenecido al abuelo adoptivo de Goku.  Garlick Jr. alberga el anhelo de ser inmortal, objetivo que conseguirá tras secuestrar a Gohan, reunir las esferas mágicas e invocar al dragón Shenron. Una vez completado el ritual, él y sus secuaces deberán lidiar con Goku y Krilin para recuperar al niño mientras que, por otra parte, Kami-sama y Piccolo se enfrentarán al malvado en respuesta a la amenaza que este supone al querer atentar contra la paz mundial. Su afán de sembrar el caos nace del rechazo que le hizo a su padre el anterior Dios de la Tierra al no quererlo como sucesor en el puesto. Aquella negativa hizo crecer un odio profundo en Garlick que se focalizó ante el actual Dios y que, con el tiempo, heredó su hijo. Por ello, este sentimiento motiva a Garlick Jr. a alcanzar la vida eterna para poder así obtener la venganza contra Kami-sama e iniciar una era de terror sobre el planeta.

Este largometraje está ambientado antes de la saga de los saiyans de Dragon Ball Z, siendo la primera vez que esto sucede así como la aparición de Chi-Chi, Gyumaoh, Piccolo, Son Gohan, Kami-sama y los enemigos de turno que inician sus andanzas en la gran pantalla en esta cinta. Los personajes antagónicos se caracterizan por su aspecto demoníaco y por tener la capacidad de aumentar su musculatura, haciendo que sean más difíciles de derrotar. Solo los subordinados de Garlick Jr. son más fuertes que Chi-Chi y su padre, lo cual sitúa su poder a un nivel sobrehumano. Pese a ello, Goku y sus aliados están a su nivel y combaten contra ellos sin grandes dificultades. Al obtener la inmortalidad e incrementar su masa corporal, Garlick Jr. es invencible. Nadie puede con él, probablemente, porque no puede morir. Antes de transformarse, protagoniza un duelo contra Kami-sama en el que los dos luchadores combinan ataques físicos con ondas de ki, ofreciendo un combate igualado. En cambio, al enfrentarse contra Goku y Piccolo opta más por la fuerza bruta que por las descargas de energía, lo cual hace que crezca la posibilidad de su victoria. Solo un milagro podría ayudar a Goku y compañía a deshacerse de este villano.

Como contrapunto a las peleas que suceden en el palacio de Garlick Jr., no hay que olvidar el tema que da título a la película. Es decir, el secuestro de Gohan. El pequeño corretea por el hogar de los malos que lo persiguen como si fueran sus niñeras. El encargado de cuidar al niño, debido a que Garlick Jr. ve un poder oculto en él, es Nicky que no puede evitar que el hijo de Goku se coma una manzana prohibida que lo emborracha. Fruto de la embriaguez, Gohan canta y tiene alucinaciones en las que salen animales de todo tipo felices y sonrientes. Al terminar su número musical, se duerme en el trono de Garlick Jr. rebelándose de forma inocente ante el pérfido personaje. La comicidad de este fragmento recae sobre el hijo de Goku que contrasta con el dramatismo de los adultos que, en lugar de hacer travesuras, luchan para evitar que el mal triunfe.

Lealtad

Al finalizar el entrenamiento de Son Goku y Krilin, el maestro Mutenroshi decide que sus alumnos prueben sus habilidades de combate en el torneo de artes marciales que organiza el emperador Chaoz del reino de Miphan en  Dragon Ball: aventura mística (Doragon Bōru: Makafushigi Daibōken, Kazuhisa Takenouchi, Toei Animation, 1988). La trama de esta película continúa los hechos de su predecesora a la vez que se convierte en un gran pastiche debido a la versión alternativa del arco argumental de Red Ribbon y del vigesimosegundo Tênkaichi Budōkai. Sintetizar y reinventar los innumerables aliados y enemigos que aparecen en estas sagas provoca que su papel en el film se limite a un cameo o sea meramente testimonial. A pesar de la sobredosis de caracteres cuyo papel es reescrito al que tienen en la serie, sobresale la lealtad entre Ten Shin Han y Chaoz, entre Bora y su hogar, entre Goku y hacer lo correcto. En definitiva, esta cualidad impera entre los protagonistas mientras que se ausenta entre los antagonistas.

Miphan es una región gobernada por el joven soberano Chaoz cuya concepción está inspirada en el gobernante del largometraje (The Last Emperor, Bernardo Bertolucci, Recorded Picture Company, 1987) así como en la ambientación de la ciudad prohibida para el diseño del palacio donde viven Chaoz y sus súbditos. El diseño de este entorno coincide con el que se usó en la primera etapa de Dragon Ball, lo cual acerca la cinta a la obra maestra de Akira Toriyama. Sin embargo, el torneo que se desarrolla en este lugar es diferente al que se celebra en el manganime, ya que no hay una selección previa de luchadores, rondas de peleas en las que el ganador va ascendiendo hasta tener la oportunidad de participar en la final ni tampoco aparece el emblemático presentador de los Tênkaichi Budōkai. En su lugar, los aspirantes a ser el campeón van se enfrentan a un rival y el vencedor puede ser desafiado por cualquiera que esté inscrito previamente. Siguiendo esta dinámica, se establece un ganador cuyo premio será pedirle un deseo al gobernante.

El objetivo de los alumnos de Mutenroshi es comprobar su dominio de las artes marciales en los duelos que tengan contra otros adversarios. Este evento es idóneo para ello. No obstante, el asesinato de Bora por parte de Tao Pai Pai concluye esta subtrama para desvelar el complot que él junto a Tsuru preparan para derrocar al emperador y conseguir el poder de Miphan. Ante los actos de estos villanos, Goku querrá hacer justicia y vengar la muerte de su nuevo amigo, puesto que la considera injusta y cruel. La rapidez con que se desenvuelve la contienda en dos asaltos entre el joven saiyan y el criminal es excesiva porque la aparición de la torre sagrada y de la Villa del Pingüino es testimonial a la vez que innecesaria en la trama de la película. Por ejemplo, la comicidad que puedan aportar los personajes de Arale Norimaki y las dos Gatchan no se saborea dado que son efímeras. Por su parte, Goku aterriza en la torre de Karin a quien sólo le conceden unas frases. La presencia de estos cameos sólo sirve como guiño hacia tramas secundarias que se rescatan del manganime así como para rebajar la tensión que se genera en Miphan alrededor del golpe de estado contra Chaoz. Todo el mundo parece traicionarle.

El inicio de una gran amistad

En la noche oscura de la montaña del demonio el ejército de las tinieblas custodia la joya más hermosa y pura. La bella durmiente. Son Goku y Krilin deberán rescatarla como obsequio para que los entren en las artes marciales el gran maestro Muten Roshi. Con esta misión da comienzo a la segunda película de la obra maestra de Akira Toriyama Dragon Ball: la bella durmiente en el castillo del mal (Doragon Bōru: Majin-Jō No Nemuri Hime, Daisuke Nishio ,Toei Animation, 1987) que adapta de forma libre en la gran pantalla la presentación de Krilin y Lunch en la historia de las bolas de dragón. A través de esta aventura iniciática se estrechan los lazos de los dos futuros alumnos de la escuela Kame que se convertirán en grandes amigos.

Como sucedía en la anterior entrega, este largometraje contrae una parte de los inicios de Dragon Ball a la vez que propone un relato épico propio de la cinta con la presentación del paraje lúgubre donde habitan los monstruos que sirven a Lucifer. Roshi conoce la localización de la guarida del diablo debido a la leyenda de la bella durmiente de quien cuentan que es una joven hermosa que lleva cientos de años durmiendo en el castillo del mal. Traerla a la isla de Roshi será el cometido de Goku y Krilin. Para ello, cruzarán mares, bosques, montañas y parajes siniestros rumbo al oeste hasta que lleguen a su destino. Durante el camino, ambos competirán por ser el primero en alcanzar la meta. Krilin se servirá de su astucia y juego sucio para confundir a su rival y retrasarlo sin que este tenga la posibilidad de ser adiestrado por Roshi. Por su parte, Goku supera los obstáculos con los que se encuentra así como sale airoso de las jugarretas que le prepara su contrincante.

Los dos chicos salieron de la isla de Roshi por la mañana y llegaron a la guarida del demonio al atardecer. El cielo rojizo le otorga un aire tétrico al lugar que se acrecienta con la llegada de la noche y el despertar de los seres malignos que allí habitan. Al adentrarse en el castillo, una horda de seres demoníacos les da la bienvenida haciendo inevitable los primeros combates de los muchachos. El más fuerte de ellos es Gastel, un ser maligno de color rojo que pelea con varas, que pelea con Goku mientras Krilin se ocupa de los demás. Lo interesante de estos efímeros villanos es su diseño ya que no es habitual que haya grupos de seres de aspecto diabólico en este anime. En cambio, esta película mantiene la tónica humorística del inicio de la serie incluso en las escenas de lucha a la vez que ofrece paisajes bellos y diversos acordes a los sitios por donde los protagonistas se mueven. El hilo narrativo de la trama es la relación entre Goku y Krilin anteponiendo esta a la aparición testimonial del resto de personajes como Yamcha, Puar, Oolong o Bulma que sólo actúa como damisela en apuros.